„Das Leben ist ein Kunstwerk, und das Kunstwerk ist Leben.“ Dieser Satz, der die Identität der Kunst mit dem Leben beschreibt, stammt von dem Publizisten Emmett Williams, der zugleich Mitbegründer und wesentlicher Protagonist der Fluxus-Bewegung ist. Dieser Stil der Aktionskunst, der sich in den 1960er Jahren entwickelt, ist neben dem Dadaismus, dem Happening und der Body Art ein weiterer Angriff auf die elitäre „Hochkunst“ des Bürgertums und versucht, eine neue Perspektive zu schaffen, indem sie die traditionellen Formen der Bildenden Kunst überschreitet.

Fluxus als Teilströmung der Aktionskunst

Fluxus entwickelt sich, getragen von einzelnen Persönlichkeiten aus der New Yorker Musik- und Literaturszene, Mitte des 20. Jahrhunderts als Teil der künstlerischen Avantgarde, für welche die Trennung von Künstler und Kunstwerk, wie es in der traditionellen Bildenden Kunst der Fall ist, nicht mehr haltbar ist. Direktes Ergebnis der avantgardistischen Bestrebungen ist die Aktionskunst, zu der auch die Fluxus-Bewegung zählt, und die gegen den bürgerlichen, als zu „eng“ und „elitär“ empfundenen Kunstbegriff revoltiert. Indem die Aktionskunst nach neuen medialen und performativen Ausdrucksformen sucht, überschreitet sie die Grenzen der traditionellen Kunst und bezieht erstmals auch das Publikum in den Schaffensakt mit ein (so beispielsweise beim Happening oder auch unterschiedlichen Formen der Body Art). Zu klassischen Techniken der Bildhauerei und der Malerei gesellen sich nach und nach auch neuartige Medien wie Fotografie, Video und Film, wodurch die Künstler in die Lage versetzt werden, auch den prozesshaften Charakter des künstlerischen Aktes abzubilden (siehe hierzu auch Prozess- bzw. Konzeptkunst): Die Arbeit an dem Kunstwerk wird hier erstmals als Teil des Kunstwerks selbst begriffen.

Die wichtigsten Impulse erhält die Bewegung durch den Dadaismus, jener satirischen und kämpferischen Bewegung, die um 1915 als Protest gegen den Ersten Weltkrieg und den wachsenden Nationalismus des Bürgertums entstanden war. Anders als ihre surrealistischen „Erben“ in Frankreich, strebten die Dadaisten nicht nach einer neuen Kunst und einer neuen ästhetischen Wirklichkeit, sondern erklärten Zufall und Sinnlosigkeit zu ihrem Programm. Während der Zufall auch im Fluxus eine wichtige Rolle spielt, handelt es sich bei den Werken von Künstlern wie:

Emmett Williams,

Robin Page,

Joseph Beuys,

Daniel Spoerri (nur zeitweise) und

Beatle-Ehefrau Yoko Ono

jedoch nicht um einen Protest ohne Inhalt. Im Gegenteil: Fluxus ist dezidiert politisch und antwortet auf den undurchsichtigen Kunst- und Politikbetrieb nach dem 2.Weltkrieg.

Fluxus – der fließende Übergang zwischen Kunst und Leben

Im Fluxus wird der politisch motivierte Gedanke der Aktionskunst noch einmal gesteigert, indem die Bewegung den künstlerischen Schaffensakt nicht mehr als singuläres Ereignis gleichsam außerhalb der sozialen Wirklichkeit begreift, sondern ihn zum Teil dieser Wirklichkeit werden lässt: Kunst soll präsent und „anfassbar“ sein. Aus diesem Grund sind im Fluxus weder Anfangs- noch Endpunkte markiert, da jedes Ereignis seine eigene Dynamik entfaltet und gleichsam „open end“ gestaltet wird. Auf diese Weise soll sich ein nicht fixierter, fließender Übergang zwischen Kunst und Leben entwickeln. Diesem Ideal entspricht auch der Name der Bewegung, welcher an das lateinische Verb „fluere“ (= dt. 'fießen') angelehnt ist, und erstmals im Jahre 1960 als Titel für eine Zeitschrift verwendet wird, die der amerikanische Künstler George Maciunas gemeinsam mit dem litauischen Galeristen Almus Salcius plant. Zwar wird die geplante Zeitschriftenreihe niemals herausgegeben, doch nichtsdestotrotz gelingt Maciunas hiermit die nominale Abgrenzung des Fluxus gegen andere Strömungen der Aktionskunst.

Anstelle von Nacktheit, Kunstblut und blinder Zerstörungswut (so etwa der Fall bei der Aktionskünstlerin Gina Page, die sich Anfang der 70er Jahre live und vor Publikum mit Rasierklingen schnitt), setzt die Fluxus-Bewegung mehrheitlich auf ästhetische Ausdrucksmittel. Unter diesen tritt insbesondere die Musik hervor, da viele Fluxus-Anhänger der ersten Stunde wesentlich von den experimentellen Kompositionen John Cages an der "New School for Social Research" beeinflusst sind und kurzerhand jede Schwingung zu einem musikalischen Vorgang erklären. Auf diese Weise überführen sie alltägliche Abläufe und scheinbar absurde Handlungen in musische Partituren, welche auf einem erweiterten Verständnis von Musik basieren.

Emmett Williams: "Fluxus begriff das gesamte Leben als ein Stück Musik, als einen musikalischen Prozess. Ich denke, der Ursprung des ganzen Skandals waren nicht die verschiedenen Fluxus-Aktionen, sondern vielmehr die Philosophie, die dahinter steckte. Die Idee, dass alles Musik sein kann, ist das überzeugendste und zugleich charakteristische Merkmal und macht Fluxus zu einer in sich geschlossenen Sache."

Da Fluxus sich als globale und weltweit agierende Bewegung versteht und auch auf dem europäischen Kontinent bedeutende Vertreter hat - so etwa Joseph Beuys, Dieter Roth (siehe Poster: Schweiz Hutsalat) und Wolf Vostell- , organisieren die Fluxus-Begründer George Maciunas, Ben Patterson, Emmett Williams, Gerorge Brecht, Dick Higgins, Joe Jones und Nam June Paik bereits im Gründungsjahr Konzerte in Wiesbaden, Kopenhagen und Paris. Im Jahr darauf folgen musikalische Events in London, Nizza und Amsterdam. Weltweite Bekanntheit hat jedoch vor allem das erste Festival in Wiesbaden im Jahre 1962 erlangt, das drei Wochen lang andauerte und den Auftakt für die folgenden Konzerte bildete, die stets nur mit einem skizzenhaften Programm versehen sind, um den Künstler möglichst viel Freiraum in der Gestaltung zu gewährleisten.

Die Kunst ist eine Welt, die nach eigenen Gesetzen funktioniert, eigene Regeln macht und eine eigene Sprache verwendet. Während Kunstschaffende und mit Kunst Handelnde diesen 'Code' beherrschen, steht der Laie häufig wie der sprichwörtliche Ochs vorm Berge. Insbesondere in der sog. "Auflagenkunst", d.h. in jenen künstlerischen Disziplinen, in denen die Objekte vervielfältigt werden, kursieren eine Menge Abkürzungen, die dem Wissenden den Handel erleichtern, während sie den Unwissenden in heillose Verwirrung stürzen. Wir von Zimmermann & Heitmann erklären Ihnen die wichtigsten Abkürzungen.

Limitierte Kunst: Die 'Auflage'

Bei Gemälden ist es ganz einfach: Es gibt immer ein unikates Original und eine Vielzahl von (Kunst)drucken, die jeweils zu einem deutlich geringeren Preis verkauft werden als das eine Unikat. Bei jenen Kunstrichtungen, bei denen die Vervielfältigung Teil des Kunstwerks ist, ist die Sache jedoch ein wenig komplizierter: So gilt beispielsweise bei der Druckgrafik und der Fotografie jeder einzelne Druck bzw. jeder einzelne Abzug, der im Laufe des Produktionsprozesses entsteht, als eigenständiges Kunstwerk. Gleiches gilt für das Künstlerbuch, das Multiple und (mit Einschränkungen) das Objekt und die Skulptur. Die Gesamtanzahl der Einzelexemplare wird dabei als "Auflage" bezeichnet. Wie hoch die Auflage pro Fertigungsprozess jeweils ist, bestimmt einzig und allein der Künstler selbst – sofern er seine Rechte nicht an Dritte abtritt.

Zur besseren Übersicht wird die Gesamtauflage durchnummeriert. In der Regel werden hierfür arabische Ziffern verwendet, die in Form eines Bruchs die exakte Position des jeweiligen Exemplars in der Gesamtproduktion angeben. So handelt es sich bei Exemplar 13/230 beispielsweise um den 13. Druck einer Gesamtauflage von 230 Exemplaren. Eine Überschreitung der festgelegten Auflagenhöhe ist gesetzlich verboten. Sie kann jedoch umgangen werden, indem (wiederum in Absprache mit dem Künstler) ein sog. "Nach- oder Spätdruck" vereinbart wird, dessen Stückzahl jedoch wiederum vorab festgelegt wird und der als Reproduktion des originalen Drucks in dem Ruf steht, nur mehr von geringem künstlerischen Wert zu sein. Diese strenge Reglementierung dient sowohl dem Schutz des Künstlers als auch des Sammlers vor unbefugter Vervielfältigung des jeweiligen Objekts oder Kunstdrucks.

Neben dieser (für den Markt bestimmten) Auflage werden häufig auch weitere Exemplare gefertigt, die mit einem ominösen Kürzel versehen sind, das den Eingeweihten des 'Kunst-Codes' verrät, für welchen Zweck sie vorgesehen sind. Die Gesamtauflage und die zusätzlichen Einzelexemplare bilden gemeinsam die "Edition" eines Kunstwerks. In der Regel befinden sich rund 10 bis 15% einer Edition außerhalb des Handels, d.h. sie werden entweder an den Künstler selbst oder/ und den Verleger gegeben.

Vom 'Printer's-' bis zum 'Artist Proof': Abkürzungen und ihre Bedeutungen

p.p. = Printer's proof

Die Abkürzung "p.p." ist vor allem im Bereich der Druckgrafik gebräuchlich und bezeichnet eine gewisse Anzahl von Exemplaren, die der jeweilige Drucker und/ oder Verleger als Beleg für seine Arbeit erhält. Diese Exemplare werden in der Regel als Archivexemplare oder auch zu Werbezwecken verwendet, indem sie potentiellen Auftraggebern zur Probe vorgeführt werden.

E.A. = Epreuve d'Artiste

Die Abkürzung "E.A." ist ebenfalls vor allem im Bereich der Druckgrafik gebräuchlich und bezeichnet Proben für den Künstler ('Künstlerabzug'), die bereits der gewünschten Bild- und Farbqualität entsprechen. Die 'Proben für den Künstler' zeigen diesem, wie die Einzelexemplare der Gesamtauflage letzten Endes aussehen werden. Manche Künstler nummerieren auch diese Exemplare zur besseren Übersicht. Damit sie jedoch nicht mit der 'Auflage' verwechselt werden, erfolgt die Nummerierung hier in römischen Ziffern. So ist das Exemplar E.H. III/X das dritte von insgesamt zehn Exemplaren, die dem Künstler als Vorab-Druck zur Probe überreicht wurden.

Viele Künstler verleihen ihre Vorab-Exemplare auch an Museen oder organisieren eigene Ausstellungen, auf denen sie vorgeführt werden. Da es sich bei den 'Epreuves d'Artiste' um eine sehr frühe und daher "ursprünglichere" Version der Grafik handelt, sind sie bei Sammlern besonders beliebt.

Neben der Abkürzung "E.A." sind auch die Kürzel "a.p" ('Artist proof') und "p.a." ('Prova d'artista') gebräuchlich – je nach Landessprache.

H.C. = Hors de commerce

Die Abkürzung "H.C." wird häufig synonym mit dem Kürzel "E.A." verwendet und bezeichnet die Gesamtheit der Exemplare, die sich 'außerhalb des Handels' befinden. Das heißt, als 'Hors de commerce' gelten sowohl die Exemplare für den Künstler als auch jene für den Drucker und/ oder den Verleger. Welches der Kürzel verwendet wird, hängt häufig von der jeweiligen Landessprache und den gängigen Gepflogenheit des jeweiligen Verlags ab.

Quelle: https://www.zimmermann-heitmann.de/wissenswertes

Kunst gehört nicht nur in Museen, Galerien oder Kunstsammlungen und auch nicht nur nach Hause in die heimischen vier Wände. Kunstwerke spielen im Büro ebenso eine wichtige Rolle und wirken sich nicht nur positiv auf den Arbeitsplatz, sondern vor allem auch auf die Mitarbeiter selbst aus.

Wenn Sie also noch keine Kunstwerke bei sich im Büro hängen oder stehen haben, sollten Sie unbedingt darüber nachdenken, dies zu ändern. Ob Gemälde der Renaissance, der klassischen Moderne oder der aktuellen Gegenwartskunst, ob Lithographien oder Fotografien, ob Skulpturen oder Figuren – Sie allein entscheiden, was zu Ihnen und Ihrem Büro passt. Kunst ist überaus vielseitig und individuell. Deshalb ist es leicht, etwas Passendes zu finden. Überzeugen Sie sich selbst!

Die richtigen Kunstwerke für die passende Büroeinrichtung

Welche Art von Kunstwerken Sie wählen, hängt zum einen von Ihnen persönlich, aber vor allem natürlich davon ab, welche Wirkung Sie mit Ihnen erzielen wollen. Grundsätzlich ist es zunächst einmal wichtig, dass die ausgewählten Kunstwerke zum Rest der Einrichtung und zum Gestaltungskonzept des Büros passen. Denn wenn sich Stil und Aussehen der Kunstwerke mit dem Rest der Einrichtung beißen, sorgt das nur für Unruhe und Unbehagen.

Wenn Ihr Arbeitsplatz sehr schlicht und gradlinig eingerichtet ist, dürfen Sie bei der Kunst ruhig zu ein paar bunten Farbtupfern und verspielteren Motiven greifen. Ist Ihr Büro hingegen bereits sehr farbenfroh, bleiben Sie bei den Kunstwerken lieber ein wenig dezenter. Das gleiche gilt, wenn Sie einen eleganten Businesslook erzielen wollen. Setzen Sie hier mit ein paar ausgesuchten, aber eher schlichten Kunstwerken edle Akzente, die die Büroeinrichtung gekonnt ergänzen und das Ambiente gezielt, aber nicht zu auffällig unterstreichen.

Ob Sie Gemälde, Zeichnungen, Skulpturen, Figuren oder Objektinstallationen wählen, hängt sowohl von Ihrem persönlichen Geschmack als auch von der Einrichtung Ihres Büros ab. Achten Sie auf jeden Fall stets auf ein harmonisches Gesamtkonzept und darauf, dass die von Ihnen ausgewählten Kunstwerke optisch ansprechend und gut platziert sind.

Checkliste – darauf sollten Sie bei Ihrer Wahl achten:

ü  Welche Wirkung soll mit den Kunstwerken erzielt werden?

ü  Passen die Kunstwerke in das Gesamtkonzept des Büros?

ü  Soll das Büro bunt, dezent oder elegant aussehen?

ü  Wo sollen die Kunstobjekte platziert werden?

Kunst ist immer auch eine körperliche Erfahrung

Untersuchungen zeigen, dass Kunst nicht nur eine reine Kopfsache ist, sondern vor allem auch eine Sache des Empfindens. Kunstwerke werden nicht nur mit den Augen betrachtet und deren Aussehen und Informationen im Gehirn gespeichert. Vielmehr reagieren wir Menschen mit unserem ganzen Körper auf Kunst, wenn sie uns in irgendeiner Art und Weise berührt.

Verschiedene Kunstwerke lösen bei uns unterschiedliche Reaktionen aus. Grundsätzlich gilt, dass Kunst uns beruhigen oder aufwühlen kann, uns nachdenklich machen oder ablenken kann, uns traurig oder fröhlich stimmen kann. Doch eins tut sie fast immer: uns bewegen und Kraft spenden. Daher kann sie natürlich auch im Büro eine positive Wirkung auf uns selbst und unsere Arbeitsweise haben.

Steigerung von Wohlbefinden, Zufriedenheit und Produktivität

In einem ästhetisch ansprechenden Umfeld steigt auch die Zufriedenheit des Einzelnen. Das wiederum hat Auswirkungen darauf, wie und vor allem wie gut gearbeitet wird. Denn wer sich an seinem Arbeitsplatz wohlfühlt, ist auch viel eher gewillt, längere Zeit dort zu verbringen und seine ganze Energie in die Arbeit zu stecken. Kunstwerke wirken sich also positiv auf das Arbeitsklima aus, und können sogar die Produktivität steigern.

Geschichte und Tradition

Das Kunsthaus Zimmerman & Heitmann ist ein bekanntes und traditionsreiches Unternehmen, dessen Ursprünge auf 1879 von Emil Zimmermann gegründete Buchbinderei zurückgehen, in der dieser auch verschiedene Kleinkunst, Bildrestaurierungen und Einrahmungen zum Kauf anbot.

Im Jahre 1970 übernahmen schließlich Gudrun Heitmann und ihr Mann Dieter Heitmann das Geschäft und führten es nach alter Tradition fort. Im Laufe der Zeit kam das neue Haupthaus in Dortmund dazu, das Anfang der 2000er schließlich umgebaut und erweitert wurde, damit die Kunden des Kunsthauses noch mehr Auswahl und Atmosphäre geboten werden konnte. Seit März 2009 ist das Kunsthaus Zimmerman & Heitmann des Weiteren in der nordrhein-westfälischen Landeshauptstadt vertreten.

Die Lage der Kunstgalerie

Die Kunstgalerie Düsseldorf befindet sich direkt an der berühmten Königsallee (Eingang Trinkausstraße 1) und bietet auf zwei Etagen jede Menge Platz für eine Vielzahl an verschiedenen Kunstwerken.

Die Künstler der Galerie Zimmermann & Heitmann in Düsseldorf

Künstler wie

·         Günther Uecker,
·         Jörg Döring,
·         Takashi Murakami,
·         Mel Ramos,
·         Fred Bred,
·         Charles Langellier,
·         Katrin Elm,
·         Jim Avignon,
·         Thomas Baumgärtel,
·         Joni Harbeck,
·         Andreas Lutherer oder
·         Lila Mint

sind in der Kunstgalerie Düsseldorf vertreten.

Hinzu kommen die ganz besonderen Designertoys von

·         Kidrobot,
·         Toy2R und
·         Frank Kozik

Sie finden Toys wie zum Beispiel „toys2r 36 inch Qee white“ und „kidrobot smorkin labbit stool stache“ (siehe Fotos) unter https://www.zimmermann-heitmann.de/diverse-kuenstler

Lassen Sie sich in Düsseldorf überraschen und entdecken Sie eine neue Art der Kunst!