Armory Show 2018 in New York: Moderne Kunst facettenreich zelebriert

Seit ihrem Debüt im Jahr 1994 zählt die New Yorker Armory Show zu den herausragenden Ereignissen im Bereich der zeitgenössischen Kunst. Zwischen dem 8. und 11. März 2018 ließen sich die Besucher bei der 24. Edition der Kunstmesse an den West-Side-Piers von den beeindruckenden Werken aus 31 Ländern inspirieren. 3D-gedruckte Skulpturen waren ebenso zu sehen wie bedeutende Arbeiten von legendären Künstlern, die in Deutschland verwurzelt sind. So gelang es Nicole Berry, das Publikum nicht nur zu begeistern. Durch das gelungene Konzept der ambitionierten Geschäftsführerin wurde das Event dem übergeordneten Ziel gerecht, kritisch-konstruktive Dialoge anzustoßen. 

Fulminanter Auftakt mit einer zeitkritischen Installation von JR 

Wer sich über den West Side Highway dem Veranstaltungsort an den Piers 92 und 94 näherte, wurde umgehend auf das Ereignis der Kunstszene aufmerksam. Denn am Eingang der 24. Armory Show wurde eine fotografische Installation positioniert, die mit ihren monumentalen Maßen verblüffte. Kunstkenner erkannten sogleich, dass das gigantische Werk aus der Feder von JR stammt. Bewusst tritt der Franzose in der Öffentlichkeit immer mit schwarzer Sonnenbrille und Hut auf, um seine Individualität nicht ins Rampenlicht zu rücken. Das Interesse des Publikums fokussiert sich dadurch umso mehr auf die tiefsinnigen Projekte, die er in aller Welt umsetzt. Bei der Armory Show 2018 regte er sowohl die Besucher der Kunstmesse als auch zufällige Passanten mit seiner Arbeit "So Close" zum Nachdenken an. 

Hierfür wählte JR ein fotografisches Zeitzeugnis, das auf Ellis Island entstand. An diesem Ort kamen zwischen 1892 und 1924 rund zwölf Millionen Einwanderer voller Hoffnung in den USA an. Das historische Szenario überlagerte er mit aktuelleren Porträts von syrischen Flüchtlingen, die im jordanischen Lager Zaatari einer ungewissen Zukunft entgegenblicken. Es ist typisch für den Künstler, dass er die Messegäste bei der Ankunft an den New Yorker Piers unausweichlich mit einem politischen Problem konfrontierte. Dass als Ausstellungsort für eine Arbeit, die den Zugang zu einem Land thematisiert, der Messeeingang gewählt wurde, ist ebenfalls charakteristisch für JR. 

Nachhaltig beeindruckende Ausstellungskonzepte 

Das politisierende Werk des Street Art-Künstlers war der Sektion "Plattform" zugeordnet, für die sich Jen Mergel verantwortlich zeigte. Dieses Areal der rund 76.000 Quadratmeter umfassenden Armory Show fokussiert sich seit zwei Jahren auf großformatige Präsentationen. Für die Messe 2018 wählte die renommierte Kuratorin aus Boston gezielt Arbeiten von Nachwuchskünstlern aus, an denen sich neuartige Tendenzen des kreativen Schaffens ablesen lassen. Gabriel Ritter, der das Institute of Art in Minneapolis leitet, organisierte hingegen die Sektion "Focus".

Beim übergeordneten Thema entschied er sich für den Einfluss der Technologie auf die Darstellung des physischen Körpers. Bewusst stellte der Kurator gemeinsam mit den 28 geladenen Galerien ein Potpourri zusammen, das von der Videokunst des koreanischen Pioniers Park Hyun-Ki bis zu den innovativen Werken der jungen Französin Claire Tabouret reichte. So ergab sich eine Zeitreise, die ein halbes Jahrhundert der Kunstgeschichte umfasste. Dementsprechend leicht viel es den Besuchern, die zeitgenössischen Arbeiten zum ausgewählten Motto in den historischen Kontext einzuordnen. 

Tausende Werke mit extraordinärem Charakter 

Aus dem Reigen der rund 250 Kunstmessen, die weltweit pro Jahr veranstaltet werden, sticht die Armory Show hervor und genießt einen exzellenten Ruf. Für das Event bewerben sich ausgesprochen viele Galerien und Kunstprojekte, von denen nur ein Teil tatsächlich geladen werden kann. Ein hochkarätiges Komitee pickt mit größter Sorgfalt die vielversprechendsten Interessenten heraus, die allesamt mit spannenden Konzepten und exzeptionellen Ausstellungsobjekten überzeugen. Jedes einzelne Werk, das die 198 beteiligten Galerien aus 31 Ländern zwischen dem 8. und 11 März vorstellten, hätte sich demnach eine Einzelbetrachtung verdient. 

Vertreten waren bei der Armory Show 2018 nicht nur einige deutsche Galerien, sondern auch international bekannte Künstler aus der Bundesrepublik. Die Sektion "Insights" widmete sich bei der Messe wegweisenden oder bislang übersehenen Arbeiten von Künstlern des 20. Jahrhunderts. Das Publikum begegnete unter anderem Werken von Heinz Mack, der als Pionier der sogenannten Land Art gilt und mit seinen experimentellen Lichtreliefs für neue Impulse in der Kunstszene sorgte. Zu sehen waren außerdem Objekte des Licht- und Feuerkünstlers Otto Piene und von Günther Uecker, der mit seinen Nagelbildern einst einen unkonventionellen Stil vorstellte. 

Deutsche Nachwuchstalente beim Kunst-Event in Manhattan

Wer sich bei der Armory Show 2018 vom Talent der deutschen Nachwuchskünstler überzeugen wollte, kam ebenfalls nicht zu kurz. Alberta Niemann und Jenny Kropp sind die kreativen Köpfe des Künstlerkollektivs FORT, das 2017 gegründet wurde. Den beiden jungen Frauen gelingt es vortrefflich, scheinbar vertraute Dinge oder Begebenheiten des Alltags so zu arrangieren, dass sich eine befremdliche, poetische oder humoristische Konnotation entfaltet. Wie versiert das aufstrebende Duo mit den Sehgewohnheiten des Publikums spielt, verdeutlichte das ausgestellte Werk "Little Darling" bei der New Yorker Kunstmesse. 

Gleichermaßen faszinierend ist die Arbeit "Gliedermensch #27" von Louisa Clement aus Düsseldorf, die ebenfalls als maßgeblich für die jüngsten Entwicklungen der Kunst eingestuft wurde. In Berlin lebt Nadira Husain, die das anspruchsvolle Publikum mit ihrem Beitrag "Turbo Queen" begeisterte. Wenngleich die Malerin zu den Nachwuchstalenten zählt, pflegt sie bei ihren Gemälden und Installationen bereits einen unverwechselbaren Stil. Geometrische Muster, die an bemalte Fliesen oder Teppiche erinnern, treffen auf Comic-Figuren und Frauenporträts, die sich von femininen Klischees distanzieren. 

Beflügelnde Impulse für die zeitgenössische Kunst 

Den Organisatoren ist es zweifelsohne gelungen, mit der 24. Edition der Armory Show den facettenreichen Charakter der Kunst des 20. und 21. Jahrhunderts zu verdeutlichen. Einige der ausgestellten Arbeiten bescherten dem Publikum schlicht und ergreifend ein unvergessliches Kunsterlebnis. Andere Objekte wurden hingegen dem Ziel gerecht, bei den Experten kontroverse Debatten anzustoßen und die neugierigen Besucher zum Nachdenken einzuladen. Diese Wirkung ist im Sinne der vier Galeristen, die in den 1990er Jahren die Messe ins Leben riefen. Für die erste sogenannte "Gramercy International Art Fair" mieteten die Initiatoren mehrere Etagen eines historischen Hotels an. Aufgrund des Erfolgs zog die Veranstaltung im Jahr 1999 in ein Gebäude des 69th Regiment Armory um, wodurch sich der direkte Bezug zu einem legendären Kunstereignis ergab.

Am identischen Ort lockte 1913 die "International Exhibition of Modern Art" die Besucher an, die auch als "Armory Show" bezeichnet wurde. Zu den rund 1.250 Ausstellungsobjekten gehörten beinahe 400 Gemälde und mehr als zwanzig Skulpturen aus Europa. Deren Stil wurde als radikal empfunden und in der Öffentlichkeit heiß diskutiert. Dass einige Werke die Kunstexperten ebenso schockierten wie das Publikum, war durchaus erwünscht. Die Veranstalter wünschten sich Denkanstöße für die Kunstszene in den USA, die aus ihrer Sicht zu sehr an herkömmlichen Wertmaßstäben festhielt. Rückblickend betrachtet gelang diese Mission, da im Anschluss viele ambitionierte Galerien gegründet wurden und zahlreiche US-Künstler einen markanten Stil herausarbeiteten. Nicht ohne Grund spielt die heutige Kunstmesse an den Piers 92 und 94 auf das historische Event an. Noch immer ist es das erklärte Ziel, dem Nachwuchs eine Plattform zu bieten und dafür zu sorgen, dass sich die zeitgenössische Kunst weiterentwickelt.

Die 10 teuersten Bilder der Kunstgeschichte

Kunst lädt zum Träumen ein und lässt sich je nach Betrachtungsweise individuell interpretieren. Nicht nur die Entstehungszeit des Kunstwerkes ist ein wichtiger Faktor, sondern auch die Empfindungen und Hintergründe der Kunstschaffenden sind elementar. Je nach Bekanntheits- und Genialitätsfaktor des Künstlers sind die jeweiligen Werke mehr oder weniger wertvoll. Doch welches sind die teuersten Bilder der Kunstgeschichte? Wir geben Ihnen einen Einblick in die Gemälde, die in den bekannten Auktionshäusern besonders hohe Preise erzielten.

Nummer 10: Nurse von Lichtenstein – verkauft für 95,3 Millionen Dollar

Roy Lichtenstein kreierte bahnbrechende und wegweisende Kunstwerke, die stilistisch der Richtung Pop-Art zugeordnet werden. Seine Comic-Werke erlangten auf der ganzen Welt Berühmtheit und gelten als begehrte Sammlerstücke. Die in weiß gekleidete Krankenschwester auf dem Bild „Nurse“ gilt deshalb als Repräsentantin der gesamten Epoche. Im Jahr 1964 von Lichtenstein hergestellt, wurde das Kunstwerk im Jahr 2015 bei einer Versteigerung im Auktionshaus Christie‘s für den unglaublichen Wert von 95 Millionen Dollar versteigert. Doch diese Dame im Pop-Art Design ist nicht die teuerste aller Zeiten, denn andere Frauen haben ihr schon mühelos den Rang abgelaufen.

Nummer 9: Junge mit Pfeife von Picasso – verkauft für 104,2 Millionen Dollar

Selbstverständlich darf der spanische Maler Pablo Picasso in keiner Auflistung der wertvollsten Gemälde fehlen. Der Originaltitel dieses beliebten Werkes lautet „Garçon à la pipe“ und entstand 1905. Zugleich markiert es den Übergang von der blauen zur rosa Periode des Malers und suggeriert durch die zarten Töne eine außerordentlich träumerische Stimmung. Sagenhafte 104,2 Millionen Dollar erzielte die Veräußerung des Bildes des bekannten Malers bei Sotheby’s im Jahr 2004. In unserer Rangliste nimmt es daher den wohlverdienten neunten Platz ein.

Nummer 8: Akt mit grünen Blättern und Büste von Picasso – verkauft für 106,5 Millionen Dollar

Auf dem achten Platz befindet sich wieder ein Meisterwerk Picassos: Das Ölgemälde aus dem Jahr 1932 entstand in der produktivsten Schaffensperiode des Künstlers und wurde an nur einem einzigen Tag angefertigt. Bis zum Jahr seiner Versteigerung befand sich das Gemälde im Privatbesitz der Familie Rosenberg und wurde nur ein einziges Mal der Öffentlichkeit präsentiert. Ein unbekannter Bieter bezahlte letztlich 106,5 Millionen Dollar, um das Werk sein Eigen nennen zu dürfen. Bis dato war es der bisher höchste Preis eines Gemäldes, der erzielt wurde.

Nummer 7: Der Schrei von Munch – verkauft für 119,9 Millionen Dollar

Parodiert, skizziert und weltbekannt: Der Schrei von Edvard Munch nimmt den siebten Platz auf der Rangliste der teuersten Bilder ein. Der norwegische Maler erschuf die schreiende menschliche Figur circa 1893 als Teil einer vierteiligen Reihe mit dem unverkennbaren Motiv. Aussagekräftig symbolisiert die schreiende Figur in Verbindung mit der kargen und schier endlosen Landschaft die Seele als Spiegel und die Angst vor dem Verlust seiner selbst. Das den Expressionismus einläutende Werk erreichte bei einer Auktion im Jahr 2012 unglaubliche 119,9 Millionen Dollar. Dieses Höchstgebot wurde von dem New Yorker Geschäftsmann Leon Black erzielt, der zugleich im Aufsichtsrat des Museum of Modern Art sitzt.

Nummer 6: Adele Bloch-Bauer I von Klimt – verkauft für 135 Millionen Dollar

Der österreichische Maler Gustav Klimt gilt als Inbegriff des Jugendstils. Besonders bekannt ist das Gemälde, das sich auf dem sechsten Platz der Liste der teuersten Bilder der Kunstgeschichte befindet. Umgangssprachlich als die „Goldene Adele“ bezeichnet, ist das Ölgemälde mit umfangreichen Silber- und Blattgold verzierten Emblemen für unglaubliche 135 Millionen Dollar im Auktionshaus Christie’s verkauft worden. Heute hängt das Bild in der Neuen Galerie in New York und kann von den hiesigen Besuchern bestaunt werden.

Nummer 5: Woman III von de Kooning – verkauft für 137,5 Millionen Dollar

Der US-amerikanische Maler Willem de Kooning wird der Epoche des abstrakten Expressionismus zugeordnet. Dazu gehört auch sein 1953 entstandenes und einer Reihe von sechs ähnlichen Bildnissen zuzuordnendes Gemälde Woman III. Wirre Striche und eine gedeckte Farbgebung charakterisieren den ersten Eindruck, den der Betrachter erhält. Der amerikanische Kunstsammler und Hedgefonds-Manager Steven A. Cohen kaufte das Bild im Jahr 2006 über einen Kunsthändler für einen Gesamtwert von 137,5 Millionen Dollar.

Nummer 4: No. 5, 1948 von Pollock – verkauft für 140 Millionen Dollar

Die Nummer 4 unserer Liste trägt den Namen No. 5, 1948. Das Gemälde des US-amerikanischen Künstlers Jackson Pollock war lange Zeit der unangefochtene Spitzenreiter und an Platz eins der teuersten Bilder der Kunstgeschichte. Für sagenhafte 140 Millionen Dollar wechselte es den Besitzer – wer der glückliche Käufer war, ist leider nicht bekannt. Das Motiv im Stil des Action Painting ist ebenfalls dem abstrakten Expressionismus zugehörig und auf eine Holzplatte gemalt. Obwohl Malen eigentlich nicht der treffende Begriff ist: Die mehrheitlich braune und gelbe Farbe wurde hauptsächlich auf die Platte getropft und gespritzt.

Nummer 3: The Studies of Lucian Freud (Triptychon) von Bacon – verkauft für 142,4 Millionen Dollar

Francis Bacon ist der Künstler, dessen Bild sich auf dem dritten Platz der teuersten Bilder der Kunstgeschichte befindet. Sein Triptychon ist – wie der Name schon verrät – eine dreiteilige Reihe über den Maler Lucien Freud. Der charakteristische Bildaufbau auf monochromem Hintergrund stellt in verzerrter Form den Enkel des weltberühmten Psychoanalytikers Sigmund Freud dar. Beide Künstler waren eng befreundet und malten sich regelmäßig gegenseitig. Der unbekannte Käufer des Werks gab im Auktionshaus Christie’s 142,4 Millionen Dollar dafür aus.

Nummer 2: Nu couché von Modigliani – verkauft für 170,4 Millionen Dollar

Das Gemälde, das den zweiten Platz unserer Liste belegt, löste zu seiner Entstehungszeit einen regelrechten Skandal aus. Der „liegende Akt“ zeigt eine komplett entblößte Frau, bei der Brüste und Scham deutlich zu erkennen sind. Der Italiener Amedeo Modigliani war berühmt für seine Aktgemälde und erhielt die nötige Akzeptanz und Bewunderung für seine Werke erst spät in seiner künstlerischen Schaffenszeit. So erzielten alle Bilder erst postmortal eine gewisse Popularität und auch hohe Preise. Das Werk „Nu couché“ erzielte bei einer Versteigerung im New Yorker Auktionshaus Christie’s  einen exorbitanten Preis von 170,4 Millionen Dollar. Nie zuvor wurde für ein Gemälde des Künstlers mehr bezahlt.

Nummer 1: Les femmes d’Alger (Version O) von Picasso – verkauft für 179,4 Millionen Dollar

Spitzenreiter in der Liste der teuersten Gemälde der Kunstgeschichte ist ein alter Bekannter: Pablo Picasso ist der am höchsten gehandelte Künstler, deren Werke nicht nur in der Kunst-Szene besonders begehrt sind. „Les femmes d’Alger“ wechselte ebenfalls bei einer Versteigerung den Besitzer. Mit einem Preis von 179,4 Millionen Dollar ist es das am teuersten verkaufte Bild aller Zeiten. Das in den späten Jahren des Künstlers entstandene Werk ist zugleich eine Hommage an den von Picasso geschätzten und 1954 verstorbenen Maler Henri Matisse. Zu dieser Zeit änderte Picasso seinen Stil. Er versuchte sich an einer Rückbesinnung und orientierte sich an der Kunst der alten Meister. Dabei versuchte er in einen Wettstreit mit ihnen zu treten. „Les femmes d’Alger“ kann deshalb als eine eigene Interpretation des Bildes „Die Frauen von Algier“ von Eugène Delacroix aus dem Jahr 1834 angesehen werden. Der Käufer des Werkes ist jedoch leider unbekannt. 

"Alles in der Kunst bildet sich aus Kugel, Kegel und Zylinder." Dieser Ausspruch Paul Cézannes beschreibt das Grundprinzip der (aus heutiger Sicht) revolutionärsten Neuerung in der Bildenden Kunst des 20. Jahrhunderts: des Kubismus (franz. 'cube' = Würfel, Kubus). Die Stilrichtung entsteht um 1907 in Frankreich, wo sie den Fauvismus ablöst, und führt das Prinzip der künstlerischen Abstraktion, das durch die französischen Post- und Neoimpressionisten begründet wurde, zu einem neuen Höhepunkt: Anstatt durch perspektivische Verfremdung oder unnatürliche Farbgebung wird der Gegenstand im Kubismus mathematisch analysiert und in seine geometrischen Formen zergliedert.

Im Allgemeinen unterscheidet man in dieser Stilrichtung eine frühe, eine analytische und eine synthetische Phase. Der Einfluss des Kubismus auf die Klassische Moderne ist kaum zu überschätzen: Obgleich es niemals, wie etwa im Futurismus oder dem Fauvismus, ein "Manifest" bzw. theoretische Niederschriften gegeben hat, leitet der Kubismus in der Bildenden Kunst eine neue Denkordnung ein, die in der Folge sogar auf die Bildhauerei, die Architektur und die Plastik übergeht. Zu den wichtigsten Vertretern zählen neben Pablo Picasso auch Robert Delaunay und Georges Braque. Obgleich sich die Bewegung bis in die 1920er Jahre fortsetzt, treten mit Beginn des Ersten Weltkrieges 1914 bereits erste Zersetzungserscheinungen ein.

Frühkubismus ab 1907: Picasso und Braque

History Stack - Pablo Picasso - Les Demoiselles d'Avignon – pixabay.com

Als erstes „kubistisches“ Bild der Kunstgeschichte gelten die „Les Demoiselles d’Avignon“ (1907) des französischen Malers Pablo Picasso: Hier zeigen sich fünf Prostituierte frontal einem imaginären Betrachter, während sie durch die spezifisch perspektivische Darstellung jedoch zugleich selbst eine Art Betrachter-Position einnehmen. Picassos Bild zeigt mit der beginnenden Zersplitterung der Frauenkörper in kubenähnliche Formen und der Reduzierung der Farbpalette auf gebrochene Töne wie Braun, Grau und Blau bereits die „typischen“ Merkmale des Kubismus. Zeitgleich mit Picasso arbeitet um 1907 auch Georges Braque an ersten Entwürfen, in denen Gegenstand, Farbe und Raum auf ihre jeweiligen Grundelemente zurückgeführt werden. In der Forschung wird häufig darüber diskutiert, ob beide Künstler unabhängig voneinander zur kubistischen Methode fanden oder ob Braque von Picasso inspiriert wurde.

Analytischer Kubismus (1910-1912): Vom Konkreten zum Abstrakten

Der Analytische Kubismus entwickelt die geometrische Aufsplitterung des Körpers weiter, indem er den Fokus noch deutlicher auf die Form legt und das Kolorit stärker reduziert, während reinfarbige (häufig schwarze oder weiße) Linien zur motivischen Begrenzung eingesetzt werden. Anstatt das Abgebildete jedoch „nur“ in seine Grundelemente zu zerlegen, strebt der Analytische Kubismus danach, diesen Zerlegungsprozess sichtbar zu machen und die unterschiedlichen Perspektiven frontal in einer Ansicht miteinander zu vereinen. Das Prinzip der 'Simultaneität' ist geboren. So werden Ansichten aus unterschiedlichen Sichtwinkeln zeitgleich dargestellt, wodurch sich der konkrete Gegenstand auflöst und durch einander durchdringende Einzelformen gleichsam neu konstruiert. Im Analytischen Kubismus liegt das Hauptaugenmerk auf Alltagsgegenständen und -situationen. Beispielhaft steht hier Georges Braques Bild „Krug mit Violine“ von 1910.

Auch Picassos Materialcollagen zählen zum Analytischen Kubismus: Während die „Zersplitterung“ des Gegenstandes in der Malerei allein durch Form und Perspektive erreicht wird, nutzt Picasso Materialien wie Sand, Holz und verschiedene andere Textilien, um Simultaneität durch plastische Effekte zu erzeugen. Seine diesbezüglichen Arbeiten sind auch wegweisend für die sog. „Kubistische Plastik“, welches das Prinzip der Simultaneität auf dreidimensionale Arbeiten überträgt. Wichtige Vertreter sind hier auch der amerikanische Bildhauer Alexander Archipenko und der deutsche Künstler Rudolf Belling.

Synthetischer Kubismus ab 1912: Vom Abstrakten zum Konkreten

HEN-Magonza - Pablo Picasso, Bildnis Fernande Olivie – pixabay.com

Ab 1912 löst der Kubismus sich vollständig vom konkreten Gegenstand und arbeitet nur noch mit geometrischen Einzelformen, die synthetisch, das heißt ohne Vorlage eines Motivs, zu „neuen“ Objekten zusammengefügt werden. Während der Analytische Kubismus also konkrete Gegenstände in ihre Einzelformen zerlegt, existieren im Synthetischen Kubismus nur noch die geometrischen Formen, welche frei zu neuen Kreationen kombiniert werden, die teilweise auch fließend ineinander übergehen. Insgesamt ist der Kubismus in dieser letzten Phase wieder deutlich „bunter“, indem mit einander überlagernden Farbflächen gearbeitet wird, die durch starke Konturen voneinander abgesetzt sind. Auch die Verwendung kräftig reiner Farben ist ein beliebtes Stilmittel des synthetischen Kubismus.

Neben Braque und Picasso, dessen „Bildnis Fernande Olivier“ (1909) zu den bekanntesten synthetischen Kunstwerken zählt, ist der spanische Maler Juan Gris einer der wichtigsten Vertreter dieser Stilrichtung. Gris sind auch die einzigen theoretischen Schriften zu dem Thema zu verdanken, welche sich jedoch ausschließlich auf diese letzte Phase des Kubismus beziehen. Zu den bekanntesten Werken Gris` zählen das „Portrait von Pablo Picasso“ (1912) und der „Harlekin mit Gitarre“ aus dem Jahre 1919.

„Das Leben ist ein Kunstwerk, und das Kunstwerk ist Leben.“ Dieser Satz, der die Identität der Kunst mit dem Leben beschreibt, stammt von dem Publizisten Emmett Williams, der zugleich Mitbegründer und wesentlicher Protagonist der Fluxus-Bewegung ist. Dieser Stil der Aktionskunst, der sich in den 1960er Jahren entwickelt, ist neben dem Dadaismus, dem Happening und der Body Art ein weiterer Angriff auf die elitäre „Hochkunst“ des Bürgertums und versucht, eine neue Perspektive zu schaffen, indem sie die traditionellen Formen der Bildenden Kunst überschreitet.

Fluxus als Teilströmung der Aktionskunst

Fluxus entwickelt sich, getragen von einzelnen Persönlichkeiten aus der New Yorker Musik- und Literaturszene, Mitte des 20. Jahrhunderts als Teil der künstlerischen Avantgarde, für welche die Trennung von Künstler und Kunstwerk, wie es in der traditionellen Bildenden Kunst der Fall ist, nicht mehr haltbar ist. Direktes Ergebnis der avantgardistischen Bestrebungen ist die Aktionskunst, zu der auch die Fluxus-Bewegung zählt, und die gegen den bürgerlichen, als zu „eng“ und „elitär“ empfundenen Kunstbegriff revoltiert. Indem die Aktionskunst nach neuen medialen und performativen Ausdrucksformen sucht, überschreitet sie die Grenzen der traditionellen Kunst und bezieht erstmals auch das Publikum in den Schaffensakt mit ein (so beispielsweise beim Happening oder auch unterschiedlichen Formen der Body Art). Zu klassischen Techniken der Bildhauerei und der Malerei gesellen sich nach und nach auch neuartige Medien wie Fotografie, Video und Film, wodurch die Künstler in die Lage versetzt werden, auch den prozesshaften Charakter des künstlerischen Aktes abzubilden (siehe hierzu auch Prozess- bzw. Konzeptkunst): Die Arbeit an dem Kunstwerk wird hier erstmals als Teil des Kunstwerks selbst begriffen.

Die wichtigsten Impulse erhält die Bewegung durch den Dadaismus, jener satirischen und kämpferischen Bewegung, die um 1915 als Protest gegen den Ersten Weltkrieg und den wachsenden Nationalismus des Bürgertums entstanden war. Anders als ihre surrealistischen „Erben“ in Frankreich, strebten die Dadaisten nicht nach einer neuen Kunst und einer neuen ästhetischen Wirklichkeit, sondern erklärten Zufall und Sinnlosigkeit zu ihrem Programm. Während der Zufall auch im Fluxus eine wichtige Rolle spielt, handelt es sich bei den Werken von Künstlern wie:

Emmett Williams,

Robin Page,

Joseph Beuys,

Daniel Spoerri (nur zeitweise) und

Beatle-Ehefrau Yoko Ono

jedoch nicht um einen Protest ohne Inhalt. Im Gegenteil: Fluxus ist dezidiert politisch und antwortet auf den undurchsichtigen Kunst- und Politikbetrieb nach dem 2.Weltkrieg.

Fluxus – der fließende Übergang zwischen Kunst und Leben

Im Fluxus wird der politisch motivierte Gedanke der Aktionskunst noch einmal gesteigert, indem die Bewegung den künstlerischen Schaffensakt nicht mehr als singuläres Ereignis gleichsam außerhalb der sozialen Wirklichkeit begreift, sondern ihn zum Teil dieser Wirklichkeit werden lässt: Kunst soll präsent und „anfassbar“ sein. Aus diesem Grund sind im Fluxus weder Anfangs- noch Endpunkte markiert, da jedes Ereignis seine eigene Dynamik entfaltet und gleichsam „open end“ gestaltet wird. Auf diese Weise soll sich ein nicht fixierter, fließender Übergang zwischen Kunst und Leben entwickeln. Diesem Ideal entspricht auch der Name der Bewegung, welcher an das lateinische Verb „fluere“ (= dt. 'fießen') angelehnt ist, und erstmals im Jahre 1960 als Titel für eine Zeitschrift verwendet wird, die der amerikanische Künstler George Maciunas gemeinsam mit dem litauischen Galeristen Almus Salcius plant. Zwar wird die geplante Zeitschriftenreihe niemals herausgegeben, doch nichtsdestotrotz gelingt Maciunas hiermit die nominale Abgrenzung des Fluxus gegen andere Strömungen der Aktionskunst.

Anstelle von Nacktheit, Kunstblut und blinder Zerstörungswut (so etwa der Fall bei der Aktionskünstlerin Gina Page, die sich Anfang der 70er Jahre live und vor Publikum mit Rasierklingen schnitt), setzt die Fluxus-Bewegung mehrheitlich auf ästhetische Ausdrucksmittel. Unter diesen tritt insbesondere die Musik hervor, da viele Fluxus-Anhänger der ersten Stunde wesentlich von den experimentellen Kompositionen John Cages an der "New School for Social Research" beeinflusst sind und kurzerhand jede Schwingung zu einem musikalischen Vorgang erklären. Auf diese Weise überführen sie alltägliche Abläufe und scheinbar absurde Handlungen in musische Partituren, welche auf einem erweiterten Verständnis von Musik basieren.

Emmett Williams: "Fluxus begriff das gesamte Leben als ein Stück Musik, als einen musikalischen Prozess. Ich denke, der Ursprung des ganzen Skandals waren nicht die verschiedenen Fluxus-Aktionen, sondern vielmehr die Philosophie, die dahinter steckte. Die Idee, dass alles Musik sein kann, ist das überzeugendste und zugleich charakteristische Merkmal und macht Fluxus zu einer in sich geschlossenen Sache."

Da Fluxus sich als globale und weltweit agierende Bewegung versteht und auch auf dem europäischen Kontinent bedeutende Vertreter hat - so etwa Joseph Beuys, Dieter Roth (siehe Poster: Schweiz Hutsalat) und Wolf Vostell- , organisieren die Fluxus-Begründer George Maciunas, Ben Patterson, Emmett Williams, Gerorge Brecht, Dick Higgins, Joe Jones und Nam June Paik bereits im Gründungsjahr Konzerte in Wiesbaden, Kopenhagen und Paris. Im Jahr darauf folgen musikalische Events in London, Nizza und Amsterdam. Weltweite Bekanntheit hat jedoch vor allem das erste Festival in Wiesbaden im Jahre 1962 erlangt, das drei Wochen lang andauerte und den Auftakt für die folgenden Konzerte bildete, die stets nur mit einem skizzenhaften Programm versehen sind, um den Künstler möglichst viel Freiraum in der Gestaltung zu gewährleisten.