Im Kundenauftrag verkaufen wir dieses Unikat von Stefan Strumbel:
"Heimat loves you"
 

Armory Show 2018 in New York: Moderne Kunst facettenreich zelebriert

Seit ihrem Debüt im Jahr 1994 zählt die New Yorker Armory Show zu den herausragenden Ereignissen im Bereich der zeitgenössischen Kunst. Zwischen dem 8. und 11. März 2018 ließen sich die Besucher bei der 24. Edition der Kunstmesse an den West-Side-Piers von den beeindruckenden Werken aus 31 Ländern inspirieren. 3D-gedruckte Skulpturen waren ebenso zu sehen wie bedeutende Arbeiten von legendären Künstlern, die in Deutschland verwurzelt sind. So gelang es Nicole Berry, das Publikum nicht nur zu begeistern. Durch das gelungene Konzept der ambitionierten Geschäftsführerin wurde das Event dem übergeordneten Ziel gerecht, kritisch-konstruktive Dialoge anzustoßen. 

Fulminanter Auftakt mit einer zeitkritischen Installation von JR 

Wer sich über den West Side Highway dem Veranstaltungsort an den Piers 92 und 94 näherte, wurde umgehend auf das Ereignis der Kunstszene aufmerksam. Denn am Eingang der 24. Armory Show wurde eine fotografische Installation positioniert, die mit ihren monumentalen Maßen verblüffte. Kunstkenner erkannten sogleich, dass das gigantische Werk aus der Feder von JR stammt. Bewusst tritt der Franzose in der Öffentlichkeit immer mit schwarzer Sonnenbrille und Hut auf, um seine Individualität nicht ins Rampenlicht zu rücken. Das Interesse des Publikums fokussiert sich dadurch umso mehr auf die tiefsinnigen Projekte, die er in aller Welt umsetzt. Bei der Armory Show 2018 regte er sowohl die Besucher der Kunstmesse als auch zufällige Passanten mit seiner Arbeit "So Close" zum Nachdenken an. 

Hierfür wählte JR ein fotografisches Zeitzeugnis, das auf Ellis Island entstand. An diesem Ort kamen zwischen 1892 und 1924 rund zwölf Millionen Einwanderer voller Hoffnung in den USA an. Das historische Szenario überlagerte er mit aktuelleren Porträts von syrischen Flüchtlingen, die im jordanischen Lager Zaatari einer ungewissen Zukunft entgegenblicken. Es ist typisch für den Künstler, dass er die Messegäste bei der Ankunft an den New Yorker Piers unausweichlich mit einem politischen Problem konfrontierte. Dass als Ausstellungsort für eine Arbeit, die den Zugang zu einem Land thematisiert, der Messeeingang gewählt wurde, ist ebenfalls charakteristisch für JR. 

Nachhaltig beeindruckende Ausstellungskonzepte 

Das politisierende Werk des Street Art-Künstlers war der Sektion "Plattform" zugeordnet, für die sich Jen Mergel verantwortlich zeigte. Dieses Areal der rund 76.000 Quadratmeter umfassenden Armory Show fokussiert sich seit zwei Jahren auf großformatige Präsentationen. Für die Messe 2018 wählte die renommierte Kuratorin aus Boston gezielt Arbeiten von Nachwuchskünstlern aus, an denen sich neuartige Tendenzen des kreativen Schaffens ablesen lassen. Gabriel Ritter, der das Institute of Art in Minneapolis leitet, organisierte hingegen die Sektion "Focus".

Beim übergeordneten Thema entschied er sich für den Einfluss der Technologie auf die Darstellung des physischen Körpers. Bewusst stellte der Kurator gemeinsam mit den 28 geladenen Galerien ein Potpourri zusammen, das von der Videokunst des koreanischen Pioniers Park Hyun-Ki bis zu den innovativen Werken der jungen Französin Claire Tabouret reichte. So ergab sich eine Zeitreise, die ein halbes Jahrhundert der Kunstgeschichte umfasste. Dementsprechend leicht viel es den Besuchern, die zeitgenössischen Arbeiten zum ausgewählten Motto in den historischen Kontext einzuordnen. 

Tausende Werke mit extraordinärem Charakter 

Aus dem Reigen der rund 250 Kunstmessen, die weltweit pro Jahr veranstaltet werden, sticht die Armory Show hervor und genießt einen exzellenten Ruf. Für das Event bewerben sich ausgesprochen viele Galerien und Kunstprojekte, von denen nur ein Teil tatsächlich geladen werden kann. Ein hochkarätiges Komitee pickt mit größter Sorgfalt die vielversprechendsten Interessenten heraus, die allesamt mit spannenden Konzepten und exzeptionellen Ausstellungsobjekten überzeugen. Jedes einzelne Werk, das die 198 beteiligten Galerien aus 31 Ländern zwischen dem 8. und 11 März vorstellten, hätte sich demnach eine Einzelbetrachtung verdient. 

Vertreten waren bei der Armory Show 2018 nicht nur einige deutsche Galerien, sondern auch international bekannte Künstler aus der Bundesrepublik. Die Sektion "Insights" widmete sich bei der Messe wegweisenden oder bislang übersehenen Arbeiten von Künstlern des 20. Jahrhunderts. Das Publikum begegnete unter anderem Werken von Heinz Mack, der als Pionier der sogenannten Land Art gilt und mit seinen experimentellen Lichtreliefs für neue Impulse in der Kunstszene sorgte. Zu sehen waren außerdem Objekte des Licht- und Feuerkünstlers Otto Piene und von Günther Uecker, der mit seinen Nagelbildern einst einen unkonventionellen Stil vorstellte. 

Deutsche Nachwuchstalente beim Kunst-Event in Manhattan

Wer sich bei der Armory Show 2018 vom Talent der deutschen Nachwuchskünstler überzeugen wollte, kam ebenfalls nicht zu kurz. Alberta Niemann und Jenny Kropp sind die kreativen Köpfe des Künstlerkollektivs FORT, das 2017 gegründet wurde. Den beiden jungen Frauen gelingt es vortrefflich, scheinbar vertraute Dinge oder Begebenheiten des Alltags so zu arrangieren, dass sich eine befremdliche, poetische oder humoristische Konnotation entfaltet. Wie versiert das aufstrebende Duo mit den Sehgewohnheiten des Publikums spielt, verdeutlichte das ausgestellte Werk "Little Darling" bei der New Yorker Kunstmesse. 

Gleichermaßen faszinierend ist die Arbeit "Gliedermensch #27" von Louisa Clement aus Düsseldorf, die ebenfalls als maßgeblich für die jüngsten Entwicklungen der Kunst eingestuft wurde. In Berlin lebt Nadira Husain, die das anspruchsvolle Publikum mit ihrem Beitrag "Turbo Queen" begeisterte. Wenngleich die Malerin zu den Nachwuchstalenten zählt, pflegt sie bei ihren Gemälden und Installationen bereits einen unverwechselbaren Stil. Geometrische Muster, die an bemalte Fliesen oder Teppiche erinnern, treffen auf Comic-Figuren und Frauenporträts, die sich von femininen Klischees distanzieren. 

Beflügelnde Impulse für die zeitgenössische Kunst 

Den Organisatoren ist es zweifelsohne gelungen, mit der 24. Edition der Armory Show den facettenreichen Charakter der Kunst des 20. und 21. Jahrhunderts zu verdeutlichen. Einige der ausgestellten Arbeiten bescherten dem Publikum schlicht und ergreifend ein unvergessliches Kunsterlebnis. Andere Objekte wurden hingegen dem Ziel gerecht, bei den Experten kontroverse Debatten anzustoßen und die neugierigen Besucher zum Nachdenken einzuladen. Diese Wirkung ist im Sinne der vier Galeristen, die in den 1990er Jahren die Messe ins Leben riefen. Für die erste sogenannte "Gramercy International Art Fair" mieteten die Initiatoren mehrere Etagen eines historischen Hotels an. Aufgrund des Erfolgs zog die Veranstaltung im Jahr 1999 in ein Gebäude des 69th Regiment Armory um, wodurch sich der direkte Bezug zu einem legendären Kunstereignis ergab.

Am identischen Ort lockte 1913 die "International Exhibition of Modern Art" die Besucher an, die auch als "Armory Show" bezeichnet wurde. Zu den rund 1.250 Ausstellungsobjekten gehörten beinahe 400 Gemälde und mehr als zwanzig Skulpturen aus Europa. Deren Stil wurde als radikal empfunden und in der Öffentlichkeit heiß diskutiert. Dass einige Werke die Kunstexperten ebenso schockierten wie das Publikum, war durchaus erwünscht. Die Veranstalter wünschten sich Denkanstöße für die Kunstszene in den USA, die aus ihrer Sicht zu sehr an herkömmlichen Wertmaßstäben festhielt. Rückblickend betrachtet gelang diese Mission, da im Anschluss viele ambitionierte Galerien gegründet wurden und zahlreiche US-Künstler einen markanten Stil herausarbeiteten. Nicht ohne Grund spielt die heutige Kunstmesse an den Piers 92 und 94 auf das historische Event an. Noch immer ist es das erklärte Ziel, dem Nachwuchs eine Plattform zu bieten und dafür zu sorgen, dass sich die zeitgenössische Kunst weiterentwickelt.

Just what is it that makes Mel Ramos so different?

Wie lässt sich die Kunst von Mel Ramos am besten beschreiben? Ist sie populär, flüchtig, jung, sexy, witzig, werbewirksam oder Big Business? Die Frage ist leicht zu beantworten, sie ist alles zusammen und noch viel, viel mehr. Mel Ramos ist Pop-Art, Pop-Art ist Mel Ramos. Konsum und Popularität gehören ebenso wie Pin-ups und Heldentum in den frühen sechziger Jahren zu den Themen der amerikanischen Pop-Art. In seinen ersten Arbeiten, die ganz der Pop-Art zugeschrieben werden, malte Ramos Figuren aus bekannten Comics. Superman erfreute sich damals besonderer Beliebtheit und Ramos verewigte den Helden 1961 enthusiastisch in Öl.

In den darauf folgenden Jahren vollzogen sich dramatische Veränderungen in der westlichen Gesellschaft, die auch die Kunstwelt nachhaltig beeinflussten. Pin-ups wurden populär und Ramos griff das Thema mit Begeisterung auf. Die bekanntesten Pin-ups der damaligen Zeit waren Marilyn Monroe und Jane Mansfield. Die beiden Frauen verkörperten den Glamour und Ruhm Hollywoods, die Träume einer ganzen Generation. Mel Ramos verarbeitete den Typus der Femme fatale geschickt in seinen Bildern. Er kreierte perfekte Frauenkörper voller Schönheit und Anziehungskraft. Allerdings gab er sich nicht mit der Darstellung des perfekten Körpers zufrieden, sondern er ging noch einen Schritt weiter und platzierte seine künstlichen Schönheiten auf allerlei profanen Konsumgütern wie Weichkäse, Konserven oder Zigarren. Dadurch erreichte er nicht nur eine gewisse Ironie, sondern hinterfragte auch gleichzeitig die raffinierten Methoden der Werbemaschinerie. Sex sells - und Ramos parodiert diese Redewendung gekonnt auf seine eigene Art und Weise. Nichtsdestoweniger vermitteln die Bilder eine ganz individuelle Formensprache und gleichzeitig auch eine ausgesprochene Ästhetik, die den Betrachter anspricht.

Natürlich ist eine nackte, vollbusige Frau, die sich genüsslich auf einem Stück Käse oder an einer Flasche rekelt kitschig, wenn nicht gar absurd, aber unsere Augen bleiben unwillkürlich an dem Bild hängen. Die Werke von Mel Ramos erheitern und regen gleichzeitig zum Nachdenken an, ein wirklich gelungener Mix aus Unterhaltung und Ernst. Und genau das macht Ramos so anders und so ansprechend!

Melvin John Ramos wurde am 24. Juli 1935 in Kalifornien geboren. Im Alter von 19 Jahren begann er ein Kunststudium am Sacramento Junior College. Dort lernte er Wayne Thiebaud kennen, der ihn nachhaltig beeinflusste. Thiebauld gilt als einer der bedeutendsten Vertreter der Pop-Art. 1964 etablierte sich Ramos neben Andy Warhol, Robert Rauschenberg und Roy Lichtenstein als Pop-Art-Künstler und nahm an zahlreichen Ausstellungen teil. Heute lebt Ramos in Oakland, Kalifornien und Spanien. Es ist kein Wunder, dass sich die Pop-Art auch weiterhin großer Beliebtheit erfreut und anscheinend nicht aus der Mode kommt. Sie hat ihren ganz eigenen Reiz, sie ist faszinierend oberflächlich und gleichzeitig kritisch, fröhlich und traurig, voller Liebe und voller Hass. Sie vereint spielerisch alle Gegensätze und lässt sich besser mit dem Herzen als mit dem Kopf verstehen.

Wow, Bam, Bang - let´s pop!

Neu bei uns in der Galerie: "United State" von unserem Künstler David Gerstein.

Das 3D- Objekt auf Metall hat ein format von 110 x 110 cm und ist handsigniert

Die Kunst des David Gerstein

David Gerstein gilt als einer der innovativsten zeitgenössischen Künstler. Als Maler und Bildhauer gehört er zu Israels bedeutendsten Vertretern, der die Grenzen zweidimensionaler Gemälde zu dreidimensionalen Skulpturen erweitern will. Seine leicht identifizierbaren, farbenfrohen Objekte haben ihren Platz in Privatsammlungen und auf öffentlichen Plätzen in der ganzen Welt gefunden. Einige seiner Werke erscheinen auf großen Werbetafeln für Unternehmen wie Isracard und der First International Bank. Darüber hinaus werden seine Arbeiten vom israelischen Außenministerium als Geschenke an Staatsoberhäupter vergeben.
Außer in Großbritannien, ist David Gerstein auch in Deutschland, Frankreich, Spanien, Israel, Brasilien, Venezuela, Neuseeland und den USA vertreten. Er hat mehrfach in London, Paris, Frankfurt, Berlin, Rom, Singapur, New York und Tel Aviv ausgestellt – um nur einige zu nennen. Gersteins Arbeit ist derzeit Teil von permanenten Ausstellungen in mehreren Museen. Im Jahr 2014 verleiht ihm das NOK (Nationales Olympisches Komitee) in Israel den „IOC Sport und Art Trophy“.
Biografische Daten und Ausbildung

1965-66 Studium an der Bezalel Academy in Jerusalem

1966-68 Studium an der Ecole Nationale Supérieure des Beaux-Arts, Paris

1968-70 Studium an der Art Students League, New York

1973-74 Weiterführendes Studium bei St. Martin's School of Art, London

1971-85 Dozent an der Bezalel Academy

David (Dudu) Gerstein wurde im Jahre 1944 geboren. Von 1965 bis 1966 studiert er an der Bezalel Academy in Jerusalem. Danach geht er nach Paris, um sich an der École Nationale Supérieure des Beaux-Arts einzuschreiben. Zwei Jahre später zieht er nach New York und besucht in der Art Students League Portraitmalerei und Grafikkurse. David Gerstein wird figurativer Maler und Illustrator von Kinderbüchern und später mit dem „Israel Museum Prize for Illustration“ ausgezeichnet. Gersteins „Post-Pop-Art“-Stil zeichnet sich durch farbintensive, mehrschichtig geschnittene Stahlarbeiten aus. Seine Outdoor-Objekt Momentum ist die größte öffentliche Skulptur Singapurs.
Frühe Lebensjahre
David Gersteins Eltern sind polnische Einwanderer. Als er vier alt ist, zieht die Familie nach Ramat Gan. Sein Zwillingsbruder Jonathan (Yoni) Gerstein und er zeigen schon früh ein Talent für Kunst. Ab dem 13. Lebensjahr nimmt er regelmäßig an Sommer-Kunstkursen in Jerusalem teil. Während seiner Schulzeit besucht er Kurse bei Rina Balktovsky Arnon am Beit Zvi Art Center in Ramat Gan. Als Fallschirmjäger während seines Militärdienstes ist er ein Jahr lang in Ein Gev stationiert. Dort malt er eine Reihe von Ölgemälden von Angelstegen, Booten und Kibbuz-Landschaften. Er lernt dabei den Künstler Aharon Giladi kennen, der ihn ermutigt, Künstler zu werden. Nach Abschluss seines Militärdienstes bewirbt sich Gerstein bei der Bezalel Akademie für Kunst und Design in Jerusalem, wo er Avraham Ofek kennenlernt, der Gersteins Stil stark beeinflussen wird.
Figurative Malerei – die Anfänge
Nach seinem Studium, im Alter von sechsundzwanzig Jahren, kehrt David Gerstein nach Israel zurück und beginnt in Bezalel zu lehren. Zunächst unterrichtet er Zeichnen und wird dann Fakultätsmitglied in der Abteilung für Schmuckdesign, die sich gerade vom traditionellen Bezalel-Stil weg zu moderneren Konzepten weiterentwickelt. Gerstein ist dafür verantwortlich, die Lücke zwischen Schmuckdesign und moderner Kunst zu schließen. Er setzt seine Studenten zeitgenössischen Strömungen aus, wie z. B. dänisches Design, Expressionismus, Konzeptkunst und Minimalismus. Er will damit erreichen, dass Schmuckdesign und zeitgenössische Kunst gleichwertig angesehen werden. Für Gerstein bedeutet dies den Übergang von der Malerei zur Skulptur. Eine Tendenz, verschiedene Medien und fortschrittliche Technologien in die Kunstproduktion einzubeziehen, ist bereits erkennbar. Dies wird sich bei der Verwendung von Laser in den 90er Jahren stärker widerspiegeln. Bis 1985 ist er als Dozent bei Bezalel tätig.
David Gerstein zählt zu den wenigen Künstlern wie Avraham Ofek, Ivan Schwebel, Avishai Ayal, Uri Lifschitz und anderen, die sich auf erzählerische Figurative Malerei konzentrieren. Neben David Hockney ist er von Fernando Botero und José Luis Cuevas beeinflusst, die sich jeweils mit der Erfahrung von Menschen und deren Interaktionen auseinandersetzen. Gersteins Arbeiten sind zunächst als Skizzen für große Ölgemälde gedacht. Mit der Zeit findet er jedoch Interesse daran, nur auf Papier in Aquarell zu arbeiten, was zu seinem Hauptmedium wird. Gerstein schafft anhand von Fotografien und Erinnerungen eine Serie von Gemälden über seine Kindheit. Eine andere Serie beschäftigte sich mit der Erinnerung an die Freiheit: Seine Mutter fährt in den Straßen von Ramat Gan Fahrrad – ein Motiv, das sich in den 90er Jahren und danach zu einer Reihe von Fahrradfahrern entwickelt. Weitere Motive sind eine Katze und eine Blumenvase, die noch Jahrzehnte später immer wieder Verwendung finden.
Der Weg zur Skulptur
Gerstein experimentiert schließlich mit Holzskulpturen, die dreidimensional sind aber gleichzeitig eine zweidimensionale Qualität haben. Gerstein verwendet später, nach einer Reihe von Versuchen mit Pappe und Holz, dünnes Aluminium. Die folgenden Arbeiten sind aus Aluminium und Holz und das Thema ist eine Fortsetzung der 70er Jahre: seine Mutter fährt Fahrrad, Katzen, Blumenvasen und verschiedene Stillleben. Gerstein stellt in zwei Galerien seine Objekte aus, die die fortgesetzte Suche des Künstlers nach einer neuen Sprache reflektiert, welche Malerei und Dreidimensionalität integriert. Unter dem Titel „From Dudu to 3-D“ wird 1987 eine Ausstellung eröffnet. Die Ausstellung ist eine Sammlung von Gersteins dreidimensionaler Arbeit der letzten sieben Jahre und ein Durchbruch für den Künstler. Die meisten der ausgestellten Werke werden von Museen im Ausland erworben. Im Anschluss wird Gerstein eingeladen, in den Vereinigten Staaten und Kanada auszustellen.
Kunstwerke
Gersteins Kompositionen stellen Stadtlandschaften, menschliche Interaktionen und Judaica-Symbole wie die „Hamsa“ dar – ein beliebtes Symbol im Nahen Osten und Nordafrika. Mit Hilfe von Lasern, schneidet er präzise seine Entwürfe aus Papier, Stahl und anderen Metall und bemalt jeden Zuschnitt entweder von Hand oder mit einer Vielzahl von Siebdrucktechniken. Die Ausschnitte werden geschichtet, um eine dreidimensionale Skulptur zu gestalten. Gersteins Werke umfassen kleine Objekte wie Schüssel oder Menorahs sowie Wandskulpturen, freistehende Skulpturen, Gemälde und auch Drucke. Er hat eine Serie von Arbeiten produziert, die von Sportarten wie Marathon und Schwimmen beeinflusst ist. Werkstatt und Galerie befinden sich in Jerusalems Industriegebiet Talpiot. Er ist außerdem der Eigentümer von weiteren Galerien in Tel Aviv und Jerusalem.