Ob Informationen zu Künstlern, aktuellen Ausstellungen, zur Kunstszene, Malerei oder auch interessante Inhalte über Kunstrichtungen, Maltechniken & Co. – in unserem Kunstblog finden Sie alles Wissenswerte im Bereich der zeitgenössischen sowie modernen Kunst.
Liebe Freunde der Galerie,
vom 13. - 16. November zeigen wir eine kleine Auswahl unserer Künstler auf der Affordable Art Fair in Hamburg! Wenn Sie in der Nähe sind, können wir Ihnen gerne Eintrittskarten zukommen lassen - Einfach bei uns im Vorfeld melden.
Die Anschrift der Messe lautet:
Affordable Art Fair
Hamburg Messe u. Congress GmbH
Halle A3 (Eingang Lagerstraße Tor A3)
20357 Hamburg
Ob Bilder, Skulpturen oder Figuren – die Originale bedeutender Künstler werden für viele hunderte, tausende oder sogar Millionen Euro gehandelt. Denn Kunst ist zwar schön, oft aber auch sehr teuer. Ob Beuys, Kandinsky, Picasso oder Warhol – die Originalwerke dieser berühmten Künstler können sich nur die wenigsten leisten.
Auch die Arbeiten weniger bekannter und etablierter Künstler und Künstlerinnen werden oft für vier-, fünf- oder sogar sechsstellige Summen gehandelt. Anders ist das bei Editionen – sie kosten meist erheblich weniger als ein einmaliges Original eines Künstlers, haben aber dabei dennoch auch selbst das Potential, ihren Wert zu steigern. Sie sind damit nicht nur tolle Blickfänge in Ihrem Zuhause oder Ihrer Kunstsammlung, sondern meist auch eine gelungene Investition.
Warum Kunsteditionen?
Bereits seit den 60er Jahren nutzen Künstler und Künstlerinnen die Möglichkeit, ihre Arbeiten nicht dem Diktat des Unikats zu unterwerfen und ihre Werke in größeren Auflagen ab ein paar wenigen Stück bis hin zu unlimitierten Ausgaben anzufertigen. Viele bekannte und berühmte Künstler wie auch noch unbekannte und weniger etablierte Künstler fertigen nicht nur einzelne Werke an, sondern stellen zudem auch noch Editionen ihrer Arbeiten her oder lassen diese produzieren. Editionen fußen auf der Idee, dass möglichst jeder Zugang zu Kunst haben und sie sich leisten können soll. Wer also seine Lieblingsbilder und andere Kunstwerke nicht nur im Museum anschauen, sondern sie auch sein eigen nennen möchte, dafür aber keine horrenden Summen an Geld ausgeben kann oder will, für den können Editionen eine attraktive Alternative sein.
Die Vorteile von Kunsteditionen
Oftmals sind die Originalbilder, -skulpturen und -figuren in Museen auf der ganzen Welt untergebracht. Dort sind sie der Öffentlichkeit dann zwar zugänglich und können von ihr betrachtet werden, aber dennoch hat nicht jeder Mensch die Gelegenheit, sie zu sehen und sich von ihrer Wirkung beeinflussen zu lassen.
Anders ist das bei Kunsteditionen. Werke in größerer Auflage produzieren zu lassen, hat insbesondere zwei Vorteile:
1. Mit der Anfertigung von Editionen wird dafür gesorgt, dass ein sonst einmaliges Original in Form von Repliken und Abzügen in vervielfachter Form weiterlebt und so das Original geschützt verwahrt und ausgestellt werden kann.
2. Es ermöglicht mehr Menschen, Zugang zu bedeutenden Kunstwerken zu erhalten und auch selbst solche zu besitzen. Editionen sind eine tolle Ergänzung zu Werken, die sonst Unikate sind und erlauben es Künstlern, ihre Arbeiten einer viel größeren Öffentlichkeit zu präsentieren und zugänglich zu machen.
Investition für die Zukunft
Auch wenn Kunsteditionen meist nur einen Bruchteil der Originalwerke kosten, ist ihr Wert nicht zu unterschätzen. Denn nicht selten werden sie in streng limitierten Auflagen hergestellt. Das bedeutet, dass sie mit der Zeit immer wertvoller werden. Wer sich eine Edition zulegt, kann also des Öfteren damit rechnen, dass er damit nicht nur ein wundervolles Kunstwerk für sein Zuhause oder seine Kunstsammlung erwirbt, sondern auch eine Investition für die Zukunft tätigt.
Wenn auch Sie auf der Suche nach besonderen Editionen sind, lassen Sie sich von der Vielfalt unserer Künstler und Werke inspirieren! Und finden Sie hier bei Zimmerman & Heitmann, Ihrem großen Kunsthaus seit 1879, eine exzellente Auswahl an Kunsteditionen wie beispielsweise Editionsbilder von Andy Warhol, tolle Skulptureditionen wie „Jede Menge Leute III“ von Werner Berges oder ausdrucksstarke Figuren wie die der Croco - Edition Red Ferrari von Richard Orlinski.
Sie möchten wissen, was genau Abstrakte Kunst ist? Was bedeutet „abstrakt“ in diesem Zusammenhang? Gibt es verschiedene Stilrichtungen innerhalb der Abstrakten Kunst? Wenn ja, welche sind dies und was macht sie aus? Welche Künstler zählen mit ihren Arbeiten in diesen Kunststil und welche abstrakten Werke kann man beispielsweise kaufen, um sein Zuhause zu schmücken oder die eigene Kunstsammlung zu vervollständigen? All das sind Fragen, die Sie sich im Zusammenhang mit Abstrakter Kunst vielleicht stellen und die in unserem Ratgeber beantwortet werden sollen.
Was versteht man unter Abstrakter Kunst?
Unter Abstrakter Kunst versteht man eine bestimmte Strömung innerhalb der Kunstgeschichte, die im frühen 20. Jahrhundert entstand und sich verbreitete. Erste Anzeichen für das Aufkommen der Abstrakten Kunst lassen sich bereits in den Epochen davor finden – etwa im Jugendstil oder dem Kubismus. Abstrakte Kunst ist ebenso als gegenstandslose Kunst bekannt. Circa im Jahre 1910 veränderte eine Reihe von Malern und anderen Künstlern ihr Schaffen. Ihr Fokus lag nicht mehr länger darauf, ihre Umwelt so realitätsgetreu wie nur möglich abzubilden und zu interpretieren, sondern vielmehr auf der Farbe, der Form und dem Material ihrer Werke per se. Naturalistische Motive hatten in dieser Zeit eher ausgedient.
Die verschiedenen Stilrichtungen innerhalb der Abstrakten Kunst
Bereits seit ihrer Entstehung zeigte die Abstrakte Kunst, wie wandelbar und vielseitig sie ist. Immer wieder aufs Neue hat sie neue Stilrichtungen und Zusammenhänge erschlossen und sich einen bedeutenden Platz in der Kunstwelt gesichert.
Zu ihren wichtigsten Stilrichtungen gehören:
· Der Abstrakte Expressionismus: Er stammt aus Nordamerika und erreichte seine Bekanntheit insbesondere durch die New York School in den 40er bis 60er Jahren. Charakteristisch für diese Stilrichtung war, dass es ihr weniger darum ging, perfekt zu erscheinen, vernünftig zu sein und Regeln zu befolgen, sondern Gefühle, Emotionen und Spontanität im Vordergrund standen.
· Die geometrische Abstraktion: Hier spielen geometrische Objekte wie Quadrat, Rechteck, Dreieck, Kreise und Ellipsen eine bedeutende Rolle. Die Maler teilten ihre Werke typischerweise in mehrere Einzelflächen auf und verwendeten eine besonders klare Linienführung. Der Zusammenhang von Farbe und Form lag im Fokus ihrer Arbeiten. Kennzeichnend ist zudem die Verwendung von Primärfarben und viel Schwarz, Grau und Weiß.
· Die Analytische Malerei: Sie ist auch als „geplante Malerei“ oder „fundamentale Malerei“ bekannt und verbreitete sich in den 70er Jahren. Ihr ging es darum, die Malerei so zu reduzieren, dass ausschließlich sie selbst im Mittelpunkt steht, ohne auch nur irgendein Verhältnis zur Welt außerhalb des Bildes zu haben. Typisch war die Verwendung von Weiß als Untergrund, was die Qualität des Malauftrages und des Bildträgers für sich wirken lassen sollte.
· Der Suprematismus: Er geht auf den ukrainischen Maler Kasimir Malewitsch zurück und wirkte insbesondere zu Beginn des 20. Jahrhunderts. Auch hier spielt das Fühlen und Empfinden die Hauptrolle. Die gegenständliche Realität hingegen rückte in den Hintergrund.
· Der Konstruktivismus: Er orientierte sich am Suprematismus und folgte zeitlich auf ihn. Typisch für den Konstruktivismus ist die Suche nach einer einfachen, bereinigten, sich an grundlegenden geometrischen Formen und gleichmäßigen Farbflächen orientierenden Malerei. Die bis dato geltende Formen- und Bildersprache der Malerei wie der gesamten Kultur wurde von seinen Vertretern hingegen größtenteils abgelehnt.
· Die informelle Kunst: Auch als Informal bezeichnet werden unter informeller Kunst all jene Stile und Strömungen innerhalb der Abstrakten Kunst verstanden, die sich nicht mit geometrischen Formen und Ausdrucksvarianten beschäftigen. Ihre Ursprünge finden sich im Paris der 40er und 50er Jahre. Das Interesse der Künstler liegt auf einer formlosen, spontanen Arbeits- und Ausdrucksweise, die keinem strikten Reglement folgt.
Die Künstler der Abstrakten Kunst
Die beiden klassischen Vorreiter und Wegbereiter der Abstrakten Kunst sind der französische Maler Francis Picabia (1879–1953) und der russische Maler Wassily Kandinsky (1866–1944). Als eine der bedeutendsten weiblichen Künstlerinnen dieser Kunstrichtung wird in der Regel Hilma af Klint (1862–1944) genannt. Natürlich hatten die Ideen und Vorstellungen der Abstrakten Kunst nicht nur Auswirkungen auf die Malerei. Auch die Bildhauerei und Plastik blieben davon nicht unberührt. Allerdings setzte sie sich in diesen Bereichen erst ein wenig später durch. Als grundlegend für die Entstehung der Abstrakten Kunst wird insbesondere die Verbreitung der Fotografie erachtet. Andere bekannte Künstler und Künstlerinnen sind beispielsweise Henry Moore, Jackson Pollock oder Sophie Taeuber-Arp.
Hat das Ihr Interesse geweckt und möchten Sie Abstrakte Kunst kaufen? Hier bei Zimmermann & Heitmann, Ihrem großen Kunsthaus seit 1879, finden Sie viele Informationen über Abstrakte Kunst, Künstler sowie natürlich auch sämtliche Gemälde in abstrakter Malweise. Schauen Sie sich in unserer Kunst-Galerie online um!
Was genau versteht man unter Zeitgenössischer Kunst? Ist modern gleich zeitgenössisch? Was ist der Unterschied zwischen Zeitgenössischer bzw. Gegenwartskunst und Moderner Kunst? Welche Stile gehören zur so genannten Gegenwartskunst? Welche Künstler gibt es und welche zeitgenössischen Werke bereichern die eigene Kunstsammlung? All das sind Fragen, die sich im Zusammenhang mit der jungen Kunst und der Gegenwartskunst auftun und die hier ins unserem Ratgeber beantwortet werden!
Zeitgenössisch, gegenwärtig, contemporary
Als Zeitgenössische Kunst, die auch unter den Namen Gegenwartskunst und comtemporary art bekannt ist, wird all jene Kunst bezeichnet, die sowohl für das Kunstpublikum als auch für Kunstkritiker und -historiker aktuell von Bedeutung ist. Angesichts der Begrifflichkeiten mag man auf den ersten Blick annehmen, dass es sich dabei ausschließlich um neuartige und junge Kunst der letzten Jahre handelt, aber dies ist nicht zwangsläufig so. Zwar ist der überwiegende Teil der Zeitgenössischen und Gegenwartskunst nicht älter als ein paar Jahre oder Jahrzehnte und damit zur jungen Kunst zu rechnen, aber prinzipiell können auch ältere Werke hinzugezählt werden.
Abgrenzung zur modernen Kunst
Die Begriffe Zeitgenössische Kunst, Gegenwartskunst und contemporary art werden insbesondere auch dazu verwendet, um die damit verbundene Kunst von der Kunst der Moderne bzw. der avantgardistischen Kunst des 20. Jahrhunderts zu unterscheiden. Denn gerade im Zusammenhang mit der Debatte um Moderne und Postmoderne, die in Fachkreisen häufig geführt wird, bedeutet modern nicht immer gleich zeitgenössisch und andersherum. Wo genau die Grenzen liegen ist in Kunstkreisen und bei Kritikern allerdings nicht immer eindeutig und hängt davon ab, welche Definition und Konzeptualisierung der Einschätzung zugrunde gelegt werden.
Kennzeichen und Charakteristika
Zeitgenössische oder Gegenwartskunst zeichnet sich besonders durch ein Merkmal aus: Sie bezeichnet nicht eine spezifische Form des künstlerischen Ausdrucks und keine einzelne Epoche und keinen einzelnen Stil innerhalb der Kunst- und Kulturgeschichte. Diese junge Kunst ist nicht an bestimmte Techniken und Konzepte gebunden. Zwar macht Malerei einen großen Teil zeitgenössischer und gegenwärtiger Werke aus, aber auch in anderen Bereichen – wie zum Beispiel in der Konzeptkunst, der Videokunst oder der Performance Art – findet sie ihren Ausdruck. Nahezu alle neuartigen künstlerischen Strömungen, Stile und Techniken können auf ihre Art und Weise zur Gegenwartskunst gezählt werden.
Zeitgenössische Künstler und Künstlerinnen
Ebenso vielfältig und individuell wie die Kunst selbst sind natürlich auch die Künstler, die mit Ihren Werken zur Zeitgenössischen Kunst beitragen. Sowohl internationale als auch nationale, sowohl große und berühmte als auch noch unbekannte Künstler und Talente bereichern mit ihren Bildern und Gemälden, Skulpturen und Figuren sowie anderen Kunstobjekten den aktuellen Kunstmarkt. Zwei überaus bekannte deutsche Künstler der Gegenwart sind zum Beispiel Armin Mueller-Stahl und Udo Lindenberg, deren Bilder wie „Castor und Pollux“, „Menschheitszirkus“ „Keine Panik – Gleich vorbei“ oder „Sonderzug nach Pankow“ begeistern. Diese können Sie hier bei Zimmermann & Heitmann erwerben. Aber auch Namen wie Christo oder den des international für Aufruhr sorgenden Damien Hirst sollten in diesem Zusammenhang erwähnt werden. Wer sich für Zeitgenössische Kunst interessiert und junge Kunst kaufen möchte, der sollte sich beispielsweise auch einmal die Arbeiten von Richard Orlinski und sein Konzept „Wild Born“ oder die ausdrucksstarken Bilder der jungen Künstlerin Danielle Zimmermann anschauen.
Schauen Sie gleich nach und lassen Sie sich von frischen und lebendigen Kunstwerken inspirieren! Hier bei Zimmermann & Heitmann, Ihrem großen Kunsthaus seit 1879, finden Sie eine Vielzahl an zeitgenössischen Werken und können ganz einfach junge Kunst online kaufen. Überzeugen Sie sich selbst und finden Sie noch heute passende Bilder und Skulpturen!
Ist heutzutage die Rede von moderner Kunst, ist damit in Kunst- und Kulturkreisen üblicherweise die Kunst des 20. Jahrhunderts gemeint. Der Oberbegriff der modernen Kunst umfasst damit meist all jene künstlerischen Entwicklungen, die sich seit 1870 und im anschließenden Jahrhundert zugetragen haben.
Kunst der Moderne
In den 70er Jahren wurde in Künstler- und Kritikerkreisen vermehrt über die Trennung von Moderne und Postmoderne debattiert. Es herrschen verschiedene Vorstellungen darüber vor, ob die Zeitgenössische Kunst noch zur modernen Kunst hinzuzuzählen ist oder nicht, ob einzelne Entwicklungen, Strömungen und Stilrichtungen eher der Moderne oder aber der Postmoderne angehören. Dies ist je nach Definition und Konzeptualisierung unterschiedlich. Um die moderne Kunst jedoch deutlich von der Zeitgenössischen abzugrenzen, wird daher meist der Begriff Kunst der Moderne verwendet.
Verschwimmende Grenzen
Wie auch bei der Begrifflichkeit selbst, verschwimmen die Grenzen mitunter auch, wenn es um die genaue Datierung und Einordnung der Kunst geht. In welchem Jahr die moderne Kunst genau beginnt und wann sie ein Ende hat, hängt ebenfalls davon ab, wie der Begriff der Moderne definiert wird und welches Konzept ihm zugrunde gelegt wird. Dennoch lassen sich bereits im Impressionismus und Jugendstil erste Zeichen hin zur Entwicklung einer modernen Kunst erkennen – insbesondere was die Bildkomposition und das Dekor angeht.
Stilvielfalt und Wegweiser der Modernen Kunst
Aber erst die Expressionisten leiteten mit ihren bahnbrechenden Werken eine neue Kunstära ein. Die moderne Kunst feiert ihren Höhepunkt in den Bildern, Skulpturen und Figuren der Expressionisten, Fauves, Futuristen, Kubisten und anderer avantgardistischer Künstler, die mit ihrem Schaffen und Wirken ganz Europa beeinflussten und dies auch nach wie vor noch tun. Die Kunst der Moderne brachte im 20. Jahrhundert eine Vielzahl an berühmten und überaus talentierten Künstlern hervor: Max Beckmann, Georges Braque, Franz Marc oder Henri Matisse sind nur einige der wenigen, die mit ihren beeindruckenden und ausdrucksstarken Werken Kunstliebhaber in ihren Bann ziehen. Auch Pablo Picasso ist beispielsweise im selben Atemzug zu nennen, dessen Moderne-Kunst-Gemälde „Maler und Modell I“ oder „Paul en Arlequin“ . Ebenso Friedensreich Hundertwasser, der mit seinem farbenfrohen Stil bis heute in einer Vielzahl von verschiedenen Werken und Designs begeistert. Überzeugen Sie sich selbst – bei uns können Sie wunderschöne moderne Kunst online Kaufen. Doch auch in den Bereichen Plastik und Skulptur taten sich herausragende Künstler hervor. Ein Beispiel hierfür sind etwa die Arbeiten von Auguste Rodin oder Henry Moore.
Weitere Stile und Kunstrichtungen der Moderne
Neben dem Expressionismus ist die Kunst der Moderne nicht ohne abstrakte Werke zu denken. Die Abstrakte Kunst, die auch als gegenstandslose Kunst bekannt ist und deren Motive losgelöst von Natur und Realität sind, beginnt kurz nach 1900 sich zu entfalten und zu verbreiten. Die Bilder und Gemälde von Wassily Kandinsky beispielsweise geben auf besondere Art und Weise die Entwicklung des Künstlers hin zur abstrakten Malerei wieder. Als erste Künstlerin dieses Genres wiederum gilt Hilma af Klint. Nach 1950 allerdings gewannen zudem die Neue Sachlichkeit mit Werken von Otto Dix und anderen oder der Dadaismus zunehmend an Bedeutung. Von der Abstrakten Kunst ausgehend entwickelten sich Stile wie Pop Art durch Künstler wie Andy Warhol oder James Rizzi: Minimal Art, Neue Wilde oder auch die Konzeptkunst.
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Einem Bild den passenden Rahmen zu verleihen, bedeutet nicht nur, es zu schmücken, seine Schönheit zu betonen, sondern auch, es zu schützen und vor Beschädigungen zu bewahren.
Kunstwerke auf Papier, seien es Zeichnungen, Kunstdrucke oder Fotografien, sind wie alle Dinge bestimmten Umwelteinflüssen ausgesetzt. Wenn sie nicht gut geschützt und wohl temperiert in einer Mappe oder einem Schrank aufbewahrt werden, sondern auch gezeigt und gesehen werden sollen, werden sie in der Regel gerahmt. Dabei sollte von Anfang an daran gedacht werden, dass ein Rahmen nicht nur optisch zum Bild passen muss, sondern es auch vor Schaden schützen soll. Zum einen durch feste Ecken als Schutz vor Bestoßungen, zum anderen mit einem stabilen Rücken oder einer Verglasung vor Licht, Feuchtigkeit oder bestimmten Oberflächen. Hier kommt der Bildereinrahmung eine wichtige Aufgabe zu.
Um besser zu verstehen, wie Papier am besten geschützt werden kann, hilft es zu wissen, woraus es besteht. Früher waren vor allem Lumpen die Basis der Papierherstellung, heute werden dafür Holzfasern verwendet. Unter Zusatz von verschiedenen Stoffen, wie Leimmischungen und Mitteln zur besseren Haltbarkeit und Farbgebung, entstehen verschiedene Arten von Papier, die noch heute zum Beschreiben oder Bedrucken, für Zeichnungen oder Fotografien verwendet werden. Einige dieser Zusatzstoffe enthalten Säuren, weil sie sich dann leichter verarbeiten lassen. Allerdings reagieren säurehaltige Materialien empfindlich auf manche Außeneinflüsse. Das bedeutet: Je säurehaltiger Papier ist, desto weniger haltbar ist es. Das ist sehr schön bei Zeitungspapier zu beobachten: Eine Tageszeitung muss nicht lange halten, daher wird hier Papier mit einem höheren Säureanteil verwendet. Liegt eine Zeitung ein Weilchen in der Sonne, vergilbt sie zunächst, wird danach brüchig und würde schließlich zerfallen. Daher wird angestrebt, Papier möglichst wenig säurehaltig, das heißt, mit einem höheren PH-Wert herzustellen, um es haltbarer zu machen. Allerdings kann auch Papier, das selbst wenig Säure enthält, Schaden nehmen, wenn es säurehaltigen Elementen ausgesetzt wird. Dazu gehören Lacke, Farben oder Klebstoffe, die oft in Oberflächen enthalten sind.
Um Papier so gut wie möglich zu konservieren, ist eine fachgerechte Einrahmung wichtig. Anders als etwa Ölgemälde wird Papier meist mit Glas oder durchsichtigem Acrylglas gerahmt. Beide schützen vor jeder direkten Berührung, denn sie enthalten keine schädlichen Stoffe. Schließen Glas und Rahmen jedoch zu fest miteinander ab, kann sich Feuchtigkeit entwickeln, das begünstigt Schimmelbildung und Schädlingsbefall. Einer der wichtigsten Bestandteile einer fachgerechten konservatorischen Rahmung ist daher traditionell der Passepartout, auch wenn bei größeren Werken inzwischen andere Techniken möglich sind. Ein solcher Passepartout wird eingesetzt, um einen minimalen Abstand zwischen Papier und Glas zu schaffen und damit Belüftung zu ermöglichen. Hier ist wieder darauf zu achten, dass der Passepartout aus dem richtigen, nämlich säurefreien Material besteht. Eine stabile Rückwand und ein passender Rahmen können damit die Einrahmung vervollständigen, ohne dass sie mit dem Papier in Berührung kommen.
Wird auf einen Passepartout verzichtet und das Kunstwerk direkt mit Holz gerahmt, ist unbedingt darauf zu achten, das Holz innen, wo es das Papier berührt, mit einem säurefreien Material zu überziehen. Dazu werden meist ähnliche Stoffe wie für einen Passepartout benutzt, um den Kontakt des Papiers mit Schadstoffen zu verhindern, denn Holz an sich ist säurehaltig. Soweit bei der Einrahmung nicht komplett auf Klebstoffe verzichtet werden kann, muss unbedingt ein säurefreier Kleber verwendet werden.
Licht, Feuchtigkeit und säurehaltige Materialien sind es, die die Haltbarkeit von Papier beeinflussen. Eine fachgerechte konservatorische Bildereinrahmung schmückt daher nicht nur, sie schützt auch - Wir sind die Spezialisten in Dortmund und Umland!
Gerade sind 3 neue Arbeiten von unserem Künstler Jörg Döring erschienen:
Von dem Künstler Mel Ramos sind heute 2 neue Arbeiten erschienen - Diese nur in einer Auflage von je 30 Exemplaren!
Charles Fazzino
Charles Fazzino ist ein in New York beheimateter Künstler und Maler, dessen Werke der zeitgenössischen Pop-Art zuzuordnen sind. Fazzino, das Kind eines italienischen Designers und einer finnischen Bildhauerin, hat bereits in frühen Jahren die Faszination dreidimensionaler Kunst für sich entdeckt. Aufklapp-Bilderbücher waren die Quelle seiner Inspiration, die ihn schließlich bereits im zarten Alter von 15 Jahren zur Teilnehme an einer Ausstellung und dem Verkauf von ersten eigenen Werken geführt hat. In den folgenden Jahren studierte er Kunstgeschichte an der Parsons School of Design und der New York School of Visual Arts. Nach Abschluss seiner Studien verdingte er sich als Straßenkünstler, bis ihm sein unübersehbares Talent schließlich die Türen von Galerien öffnete und ihm die finanziellen Sorgen nahm, die schwer auf den Schultern vieler junger Kreativer lasten. Mittlerweile kann Charles Fazzino auf eine ganze Reihe von erfolgreichen Ausstellungen und Veröffentlichungen in Form von Puzzles, die von seinen Werken geziert werden, sowie Büchern, die sich mit einer Auswahl seiner Bilder und seiner Person beschäftigen zurückblicken. Seine Werke sind heute in unzähligen Museen und Galerien in mehr als 20 Ländern zu sehen und bilden einen fixen Bestandteil der Pop-Art Kultur.Die neue Arbeit von Heinz Mack: "Rotation 2014"
Der Bildhauer, Grafiker und Maler Heinz Mack (83) zählt zu den bedeutendsten deutschen Gegenwartskünstlern. Bekannt wurde er besonders durch seine Lichtreliefs und -installationen. Zahlreiche großformatige Skulpturen und Werke der kinetischen Kunst haben ihren Platz im öffentlichen Raum gefunden, etwa in Berlin, München und Köln. Der mehrfache documenta-Teilnehmer lebt und arbeitet in Mönchengladbach und auf Ibiza. Neu auf dem Kunstmarkt ist Macks Grafik "Rotation 2014", eine in begrenzter Auflage erschienene Serigrafie in 33 Farben.
Heinz Mack wurde am 8. März 1931 im hessischen Lollar geboren. Studien an der Staatlichen Kunstakademie Düsseldorf und an der Universität Köln (Philosophie) schloss er jeweils mit dem Staatsexamen ab. 1957 gründete Mack gemeinsam mit Otto Piene (geb. 1928), mit dem er sich in Düsseldorf ein Atelier teilte, die Gruppe ZERO. Später kam noch Günther Uecker (geb. 1928) dazu. "ZERO ist als Neuanfang in der Kunst zu verstehen", heißt es auf der Homepage Heinz Macks. Die Künstler entwickeln "neuartige Gestaltungsprinzipien und ästhetische Ideen, in denen Licht und Bewegung dominieren".
Macks künstlerisches Schaffen ist in dieser Zeit geprägt von ständigen Experimenten mit Materialien, Licht und Bewegung. Wegbereitende Projekte führen ihn sogar auf Expeditionsreisen in die afrikanische und arabische Wüste sowie in die Arktis. Die Gruppe ZERO löste sich zwar schon 1966 offiziell auf, sie gilt aber als "eine der wichtigsten internationalen Avantgardebewegungen nach dem Zweiten Weltkrieg und ist heute fest in der Kunstgeschichte verankert".
Das Licht in seinem gesamten Spektrum ist bis heute Macks vorherrschendes künstlerisches Thema. Zu seinem ebenso umfangreichen wie vielseitigen Ouvre gehören neben Skulpturen aus verschiedenen Werkstoffen (u.a. Metall, Stein, Holz, Gips und Glas) auch Lichtstelen, Gemälde ("Chromatische Konstellationen"), Zeichnungen, Druckgrafik, Fotografien und bibliophile Arbeiten. Diverse monumentale Skulpturen, Wandmalereien und Metallinstallationen sind unter dem Stichwort "Kunst in der Stadt" entstanden und im öffentlichen Raum zu sehen, so auf dem Jürgen-Ponto-Platz in Frankfurt a. Main und auf dem Platz der Deutschen Einheit in Düsseldorf.
Der Künstler nahm mehrfach an der documenta in Kassel teil und vertrat die Bundesrepublik 1970 auf der Biennale in Venedig. Im selben Jahr wurde er ordentliches Mitglied der Berliner Akademie der Künste, der es bis 1992 angehörte. Beinahe von Beginn seiner Laufbahn an ist Mack mit national und international renommierten Preisen ausgezeichnet worden. 2011 wurde Professor Heinz Mack das Große Bundesverdienstkreuz mit Stern verliehen. Seine Werke sind bislang weltweit in über 300 Einzel- und unzähligen Gemeinschaftsausstellungen gezeigt worden.
Bei "Rotation 2014" handelt es sich um die neue Grafik Macks, eine im Siebdruck hergestellte Serigrafie in 33 Farben, gedruckt auf 300 Büttenpapier. Jedes Blatt im Format 110 mal 80 Zentimeter ist unten rechts handsigniert und datiert. Die Auflage umfasst 70 arabisch und zehn römisch nummerierte Exemplare. "Rotation 2014" ist über verschiedene Galerien zu beziehen.
