Der Amerikaner James Francis Gill zählt zu den berühmtesten Vertretern der Kunstrichtung Pop Art. Vor allem seine wiederholten Darstellungen von Marilyn Monroe machten ihn über die Kunstszene hinaus bekannt. Hinter der Trivialität seiner bekanntesten Bildmotive steckt allerdings weit mehr.
Gill wurde 1934 in Tahoka, Texas geboren. Seine Kindheit und Jugend verlief mustergültig. Nach der High School trat er den Wehrdienst an und studierte anschließend Design an einer Universität in Texas.
Anfang der 60er Jahre stellte das New Yorker Museum of Modern Art sein wahrscheinlich bis heute bekanntestes Werk Marilyn Triptych aus und verhalf dem noch nicht einmal 30 Jahre alten Gill so zu internationaler Bekanntheit. Das Werk ist ein beinahe 2 mal 3 Meter großes Portrait von Marilyn Monroe in drei Teilen, das sie in verschiedenen Posen auf einem Sofa zeigt.

1965 nahm James Francis Gill an einer Universität in Idaho einen Lehrstuhl für Malerei an. Im Laufe der nächsten Jahre lehrte er auch an anderen Universitäten wie in Kalifornien oder Oregon. Seine Werke in dieser Schaffensphase beschränkten sich allerdings nicht auf die Darstellung berühmter Persönlichkeiten wie beispielsweise die Beatles oder John F. Kennedy. Es entstanden mehrere Anti-Kriegs-Bilder, eines davon inspiriert durch einen ehemaligen russischen Kriegsgefangenen, andere fokussierten militärische oder politische Persönlichkeiten. Hintergrund seiner Werke war das tatsächliche Zeitgeschehen. So thematisierte er des öfteren den Vietnamkrieg. Ein Gremium von amerikanischen Museumsdirektoren wählten unter anderem die Bilder von James Gill aus, um die amerikanische Kunstszene auf der damals international bedeutendsten und höchstangesehenen Kunstausstellung zu vertreten. Bei der Biennale "Sao Paulo 9: Environment USA 1957 - 1967" 1969 hingen Gills Bilder neben denen von Andy Warhol, Edward Hopper, Roy Lichtenstein und weiteren heute weltberühmten Künstlern.

Dies verschaffte Gill weltweit den endgültigen Durchbruch. Seine Werke wurden sowohl in der Pop Art - Szene geschätzt, als auch von vielen Kunstkritikern wegen ihrer durchscheinenden Tiefgründigkeit gelobt. Audrey Hepburn und andere große Persönlichkeiten ließen sich von Gill portraitieren. Er verkehrte mit Hollywoodstars und pflegte berühmte Bekanntschaften. Viele der bekanntesten Museen nahmen seine Werke in ihre Ausstellungen auf.

Trotz allem zog er sich Anfang der 70er Jahre plötzlich und für alle überraschend aus der Künstlerszene zurück. Beinahe 30 Jahre lang lebte Gill zurückgezogen auf seiner Ranch in Texas und arbeitete nur für sich. In späteren Interviews begründete er dies damit, dass ihm der ganze Trubel einfach zu viel geworden sei und er etwas Ruhe gebraucht habe.

Nach fast 30 Jahren Auszeit tauchten letztendlich neue Werke von Gill wieder mehr und mehr in der Kunstszene auf. Gills späte Werke nehmen wieder vermehrt die Pop-Art - typischen Motive auf. Mit neuen Techniken zeigt er Darstellungen von Marilyn Monroe, John Wayne und anderen Hollywoodikonen. Heute gibt es von ihm wieder Ausstellungen zu sehen. Weltweit zeigen Museeen und Galerien seine Bilder. Im Jahr 2014 reiste Gill eigens nach Deutschland, um einige Ausstellungen zu eröffnen. Der fast 80jährige ist mit seinem Schaffen noch nicht zu Ende und malt immernoch auf seiner Ranch in Texas.

James Francis Gill zählt zu den letzten lebenden Vertretern der original amerikanischen Pop-Art-Szene. Die Kunstrichtung entstand in den 1950er Jahren ind hat bis heute kaum von seiner Popularität eingebüßt.

Galerie Zimmermann & Heitmann
Die Galerie Zimmermann und Heitmann wurde 1879 von Emil Zimmermann in Dortmund ursprünglich als Buchbinderei eröffnet. Er bot aber auch noch zusätzliche Dienste wie das Rahmen von Bildern und das Restaurieren von Kleinkunst und Bildern an.
1970 übernahm dann Gudrun Heitmann das Geschäft ihres Großvaters und führte es nach den alten Traditionen mit ihrem Mann weiter. Seit 2005 ist die Galerie auch Online zu finden und bietet auch für Kunden außerhalb des Ruhrgebietes, die Möglichkeit Kunstobjekte online zu bestellen. Diese wird sogar innerhalb Deutschlands kostenlos Versand. Zahlen kann man die guten Stücke entweder per Nachnahme, Kreditkarte, Paypal oder per Vorkasse. 2009 eröffnete das "Flagshipfiliale" in Düsseldorf und ein Jahr zuvor die Galerie im Inhouse.
Faszinierende Miniaturwelten

"Art In Boxes" nennt Künstler Volker Kühn seine Werke, die in der Galerie Zimmermann & Heitmann zu sehen sind. Seine Ausstellung voller Schaukästen entführt die Besucher in eine Miniaturwelt, die sich Themen des alltäglichen Lebens, Träumen und Fantasiewelten widmet.
Das Besondere
Alle Objekte sind dreidimensional, fast zum Anfassen. Die Kunst in kleinen Boxen, zu Deutsch Schaukästen, ist mit viel Liebe zum Detail gestaltet. Betrachter erkennen sich selbst mit einem Augenzwinkern wieder. Der Schaukasten "Schühchen" trägt den Titel "In den Köpfen der Frauen". Ein rosa Elefant kuschelt sich in ein Nest aus grünen Fäden. Auch er braucht "Nestwärme". "Die persönliche Note" zeigt eine überdimensionale Note mit einem Homo Sapiens und ein "Global Player" ist bei Volker Kühn ein Mensch, der die Erdkugel an vielen Fäden hält. Der Künstler interpretiert gekonnt seinen etwas anderen Blick auf die Tücken des Alltags. Dazu verwendet er Holz, Metall, kleine Figuren, Ausschnitte aus Zeitungen und Naturmaterialien. Kühn widmet sich auch den Werken moderner Künstler. Er interpretiert Mondrian, Marc Rocco und Jockson Pollock.
Wer ist Volker Kühn?
Der Künstler wurde 1948 in Neuenkirchen geboren. 1968 bis 1972 bildete er sich an der Bremer Hochschule für Gestaltung in Bildhauerei aus. Seine Werke wurden mit vielen Preisen, zum Beispiel dem Förderpreis des Bremer Senats oder dem ersten Preis des Nautik-Wettbewerbs der Bremer Hochschule, ausgezeichnet. Ab 1976 stieg Kühn auf Radierungen um. Es folgten Ausstellungen rund um den Globus. Ab 1986 lautete seine Devise "Man muss es nur machen". Es entstanden die ersten Schaukästen "Art In Boxes". Seine Kunstobjekte werden weltweit ausgestellt und sind nur in limitierter Zahl erhältlich.
Kunst zum Schmunzeln
Wer die Boxes von Volker Kühn betrachtet, der sieht viele Redewendungen versinnbildlicht. "Der Schlüssel zum Erfolg" ist ein überdimensional goldener Schlüssel auf dem Sockel eines Denkmals. Mit einem Elefant aus Stelzen mahnt Kühn "Be cool", was für viele Situationen des täglichen Lebens zutreffen kann. Ein "Glücksschwein" aus Kunststoff tummelt sich mit lauter Würfeln mit sechs Augen in einer Box.
Liebevoll designte Werke
Art In Boxes lässt sich gut in ein bestehendes Wohnambiente integrieren. Mit einer Breite zwischen 30 cm und 50 cm und einer durchschnittlichen Höhe von 25 cm fügten sich die Guckkästen im Hoch- und Querformat überall ein. Die netten Gestaltungsideen sind etwas Besonderes. Zeigen sie doch, dass die Hobbys und Vorlieben des Beschenkten toleriert werden. Wer sich selbst einen Kühn gönnt, der kann sich mit einem Augenzwinkern durch einen Spiegel betrachten.

Fritz-Art
Die Fritz-Art Kollektion ist eine Sammlung von Pop-Art Kunstwerken, die von verschiedenen Künstlern in Zusammenarbeit kreiert wurden.
2005 wurde die Kollektion von Fritz Godehardt gegründet.
Die Pop-Art zeichnet sich bei diesen Kunstwerken durch die grandiose Zusammenwirkung von Malerei, Fotografie und Grafik aus. Das Besondere an den Stücken ist, dass sich die Künstler nur auf ein zentrales Element konzentrieren und keine weiteren zusätzlich ins Bild mit eingefügt werden. Ebenfalls herausstechend ist, dass die Motive alle in der gleichen ähnlichen Gestaltung verewigt wurden sind.
Hauptsächlich sind in der Fritz-Art Kollektion Objekte mit Malereien von deutschen Städte mit einer bekannten Sehenswürdigkeit im Mittelpunkt. Es sind auch Kollagen von berühmten Städten wie New York oder Ländern wie Italien in der Kollektion enthalten und zeigen die typischen Orte oder Objekte des Themas. Aber es sind auch Kunstwerke mit floralen Themen, Autos oder besonderen architektonischen Objekten im Angebot. Ein anderes hervorstechendes Element bei diesen Motiven, ist der in Szene gesetzte Schriftzug, der sich in irgend einer Weise auf das Hauptobjekt bezieht. Ebenso auffällig ist, dass ein jeweiliges Motiv nicht einfach bunt ist, sondern ein Schema in der Farbwahl des Künstlers erkennbar ist. Wegen der riesigen Auswahl wurde die Kollektion in verschiedene Oberbegriffe unterteilt, damit die Sammlung für die Interessenten etwas überschaubarer wird.
Zusätzlich wird auch von der Künstlervereinigung angeboten, individuelle Kunstwerke für Unternehmen, Freiberufler oder Privatpersonen je nach Wunsch und Vorlage anzufertigen. Durch die Kooperation der Künstler, können auch größere Projekte umgesetzt werden.
In diesen Varianten von Bildträgern sind die Objekte zu erhalten:
- Leinwand
- Aluminium
- Einscheiben-Sicherheits-Glas

Blondinen, die auf Havannas reiten und vollbusige Brünette, die sich vor Coca-Cola-Flaschen räkeln: DAS ist Mel Ramos, mit bürgerlichem Namen Melvin John Ramos. Der 1935 in Sacramento geborene Künstler gilt seit den 1960er Jahren als einer der bedeutendsten Vertreter der amerikanischen Pop-Art, steht jedoch auch den Bewegungen des Abstrakten Expressionismus und der Bay Area Figurative School nahe. Den Mittelpunkt von Ramos` Werk bilden die "niederen" Motive des Alltags, darunter insbesondere die Konsumgesellschaft, die Massenmedien und die amerikanische Werbelandschaft. Die Kreationen des US-Künstlers faszinieren und schockieren seit fast sechzig Jahren ein internationales Publikum.

Pop Art: Kunst gegen den Konformismus

Die "Popular Art" entsteht in den 1950er Jahren zeitgleich in England und Amerika und versteht sich, wie ihr Name schon sagt, als Kunst für die Massen. Entsprechend zeichnet sich für gewöhnlich nicht nur die künstlerische Gestaltung durch eine gewisse "Poppigkeit" aus, sondern auch die Motive stammen aus dem Bereich des Trivialen: Die Pop-Art prangert Massenmedien sowie das kapitalistische Erwerbsstreben an und zeigt eine von offensichtlichen und subtilen Werbebotschaften überschwemmte Gesellschaft, die sich tagtäglich im Strudel des Konsums befindet. Im Gegensatz zum intellektuellen Kunststil dieser Zeit formiert die Pop-Art sich dezidiert als "Anti-Kunst", was sich formal in klaren Strukturen und extremer Plakativität niederschlägt.

Die Entdeckung der "Commercial Pin-Ups"

Zu Beginn seines künstlerischen Werdegangs beschäftigt sich Mel Ramos vorwiegend mit berühmten Comic-Figuren wie Superman, Batman und Wonder Woman, die er in verfremdeter Umgebung (beispielsweise einkaufend in einem Supermarkt) darstellt. Schon ab 1963 gelangt er jedoch zur Darstellung dessen, was sein Werk bis in die Gegenwart bestimmen soll: Pin-Up-Girls mit wenig bis gar keiner Kleidung, dargestellt in eindeutiger und aufreizender Pose. Doch natürlich malt Ramos nicht einfach nackte Frauen: Er nutzt seine Pin-Ups, um das insbesondere im Amerika der 1960er Jahre allgegenwärtige Motto "Sex sells!" der Werbeindustrie anzuprangern. Entsprechend liegen seine nackten Schönheiten, die nicht selten die Züge berühmter Hollywood-Ikonen tragen, auf überdimensionierten Zigarren, räkeln sich in Martini-Gläsern (siehe Bild: Martini Miss # 2) und schälen sich lasziv aus Chiquita-Bananen oder Maiskolben.

Ab den 1970er Jahren setzt Ramos seine Beauty-Queens und Göttinnen darüber hinaus auch zu deutlich persiflierenden Zwecken ein, wenn er in seinen sogenannten "Unfinished Paintings" Aktbilder bekannter Künstler wie Edouard Manet, Sandro Botticelli oder Amadeo Modigliani dahingehend verändert, dass er ihre geschickt subtil angedeutete Erotik durch die aufreizenden Posen seiner Pin-Ups ersetzt. Ein berühmtes Beispiel ist hierfür etwa die "Transfiguration of Galatea", die das klassische Vorbild Botticellis ("Die Geburt der Venus", ca. 1450) persifliert: "Seine "Venus" ist zugleich Beauty-Queen, Power-Frau und Göttin.“ Neben seinem künstlerischen Schaffen ist Ramos zwischen 1966 und 1997 auch als Lehrender im Fachbereich Malerei an der California State University tätig.

Mel Ramos und die Sache mit dem Feminismus

Als in den 60er Jahren die ersten Pin-Up-Girls auf Kuchen und Chipstüten hüpfen, sieht Ramos sich vor allem der Kritik von politisch konservativer Seite ausgesetzt, die es ihm unter anderem erschwert, Ausstellungsräume für seine Werke zu finden. Bei einer Einzelausstellung in Köln im Jahre 1967, bei der die Serie "Animal Paintings" gezeigt wird, verhängt die Polizei gar einige der Bilder, da diese Frauen in erotischer Pose mit Nilpferden und Robben zeigen. Im Zuge der Zweiten Frauenbewegung während der 70er Jahre kommt auch massive Kritik von feministischer Seite hinzu, die sich vor allem gegen die Sexualisierung des weiblichen Körpers (die Frau als "Ware") richtet, dabei jedoch verkennt, dass Ramos' Arbeit genau jene Zwangsallianz zwischen weiblichen Reizen und Konsum anzuprangern sucht.

Auch heute noch erfreuen sich die Werke von Mel Ramos großer Beliebtheit. Allerdings ist sein Publikum heute weniger das gesellschaftskritische und politische Publikum, das es noch vor zwanzig Jahren war, sondern vielmehr die Vintage-verrückte Generation, die sich nach alten Idealen und der konservativen Behaglichkeit einer längst vergangenen Zeit sehnt. Mel Ramos ist nach wie vor künstlerisch tätig und lässt seine nackten Schönheiten weiterhin auf Donuts, Zigarettenschachteln und Golfbällen posieren (siehe Beispielbild: Dunkin' Donuts). Erst vor kurzer Zeit feierte der Künstler seinen 80. Geburtstag.

Es mag unfair sein, doch es ist eine Tatsache, dass die Geschichte sich nur an jene erinnert, die Neues, Spektakuläres, Unerhörtes geleistet haben. Entsprechend mag der Name Georges Braques (1882-1963) gelegentlich wohl in Zusammenhang mit Picassos (1881-1973) fallen – niemals aber würde jemand auf die Idee kommen, Picasso an Braque zu messen. Das Ungewöhnliche an diesem Schattendasein des französischen Künstlers, der dem gleichaltrigen und bereits berühmten Picasso im Dezember 1907 begegnet, ist allerdings, dass Braque sich auch niemals wirklich darum bemüht hat, aus dem großen Schatten des Freundes herauszutreten.

Georges Braque: Der "erlernte" Künstler

Im Gegensatz zu Picasso, der bereits im zarten Alter von fünf Jahren als Wunderkind gilt und schon wenig später die alten Meister kopiert, muss Braque, der 1882 in dem Pariser Stadtteil Argenteuil geboren wird, sein Handwerk erst erlernen. Hierzu besucht er ab 1899 Abendkurse an der Pariser Kunstakademie, macht ab 1900 eine Lehre zum Dekorationsmaler und nimmt Zeichenunterricht. In den folgenden Jahren besucht Braque die 'Académie Humbert' und macht sich intensiv mit der Pariser Kunstszene vertraut. Seine Vorbilder findet er vor allem in Paul Cézanne und den expressiv bunten Werken der Fauves, die er erstmals 1905 im 'Salon d’Automne' sieht. Als er im Jahre 1907 auf Picasso trifft, beherrscht Braque seine Kunst zwar, hat, im Gegensatz zum gleichaltrigen Picasso, der zu diesem Zeitpunkt bereits fünf verschiedene Stile beherrscht, jedoch noch nicht zu einem eigenen Stil gefunden.

Braque, Picasso und die Frage des geistigen Plagiats

History Stack - Pablo Picasso - Les Demoiselles d'Avignon – pixabay.com

Braque lernt Picasso über den französischen Autor Guillaume Apollinaire kennen, welcher Ersteren mit in das Atelier des Freundes nimmt. Hier sieht Braque Picassos Gemälde "Les Demoiselles d’Avignon", das als erstes kubistisches Werk der Kunstgeschichte gilt. Braque ist so beeindruckt von der vollkommen neuen und revolutionären Formensprache des Bildes, dass er in der Folge selbst erste Versuche mit der kubistischen Malweise unternimmt, die insgesamt sehr stark an die Picasso-Vorlage erinnern. Obgleich Picasso zu diesem Zeitpunkt bereits ein "Markenname" ist und die Kunsthändler sich um ihn reißen, während Braque überwiegend unbeachtet bleibt, entwickelt sich zwischen den beiden Künstlern eine enge Freundschaft, die unter anderem durch die gemeinsame Begeisterung für Cézanne getragen ist.

Ab 1908 verbindet die beiden auch eine intensive künstlerische Zusammenarbeit auf dem Gebiet des Kubismus, die sich durch gegenseitige Kritik, Atelierbesuche und gemeinsame Projekte auszeichnet. So kommt es, dass sich viele der Bilder, die in der Zeit zwischen 1908 und 1914 auf der einen oder auf der anderen Seite entstehen, kaum eindeutig einem der beiden Künstler zuordnen lassen. So ist Braque der Erste, der mit gemalten Buchstaben, Etiketten und sog. Trompe-l’oeil-Effekten (illusionistische Malerei) arbeitet, was Picasso aufgreift und zu Materialcollagen weiterentwickelt, die den Eindruck der Zergliederung der Gegenstandes durch einen plastischen Effekt hervorrufen. Exemplarisch für diese Zeit sind etwa Bilder wie "Girl with a Cross" (1911), "Das Tischchen" (1913) und "Häuser in L’Estaque" aus dem Jahre 1908. Im gleichen Jahr findet auch die erste gemeinsame Ausstellung in der Galerie des Pariser Kunsthändlers Daniel-Henry Kahnweiler statt.

"Picasso und ich befanden uns gewissermaßen auf der Suche nach einer anonymen Persönlichkeit. Wir waren bereit, unsere Persönlichkeit auszulöschen, um Originalität zu finden.“, Georges Braque

Das wenig beachtete Spätwerk

Obgleich "Braque" der Kunstgeschichte natürlich ein Begriff ist, beschränkt sein Ruhm sich tatsächlich auf die Zeit zwischen 1907 und 1914, als er die Welt an der Seite Picassos in Würfel, Zylinder und Prismen zerlegte. Die gemeinsame Arbeit endet abrupt bei Ausbruch des Ersten Weltkrieges, als Braque als Soldat dient und eine schwere Kopfverletzung erleidet. Den Pinsel kann er erst zwei Jahre später, nachdem er vollständig genesen ist, wieder aufnehmen – zu diesem Zeitpunkt hat Picasso sich bereits neuen, kühneren Projekten gewidmet. Neben spätkubistischen Arbeiten, die nach wie vor sehr an den früheren Freund erinnern, entsteht nun auch ein grafisches Werk: Braque schafft Radierungen, Lithografien und Holzschnitte. Ab 1939 widmet er sich außerdem der Bildhauerei.

Während Picasso auch im Alter das Genie, das "Wunderkind" bleibt und im Alter von 56 Jahren mit seinem Gemälde "Guernica" (1937) das Leid einer ganzen Volksgruppe auf Leinwand bannt, widmet Braque sich mit zunehmendem Alter wieder seinen fauvistischen Landschaften und synthetisch-kubistischen Landschaften und überlässt das öffentliche Interesse dem früheren Freund. Er tut dies sogar gänzlich ohne Groll: Selbst als junger Mann hatte Braque sich stets in einem gewissen Abstand zur Pariser Kunstszene bewegt, die Drogenorgien gemieden und sich stattdessen einem eher ruhigen Dasein mit seiner Lebensgefährtin Marcelle Lapre gewidmet. Anders als Picasso ist Braque niemals das Genie gewesen, das mit Freuden für seine Kunst gestorben wäre – und er hat sich auch nie als ein solches inszeniert.